Esperando la carroza, dirigida en 1985 por Alejandro Doria y basada en la obra homónima de 1974 escrita por Jacobo Langsner, se ha convertido en una de los films cómicos más reconocidos y queridos de la cinematografía argentina. Sus personajes, hechos y líneas han perdurado por generaciones pues presenta una mirada costumbrista, autorreferencial, que elabora estereotipos argentinos y los desarrolla claramente empleando un humor muy particular.

El film tiene por protagonista a la adorable Mamá Cora (personaje antológico de Antonio Gasalla) una despistada anciana que, veremos hacia el comienzo de la obra, vive junto a su hijo Jorge (Julio de Grazia), Susana, su esposa (Mónica Villa) y el pequeño bebé de la pareja. El aire que se respira en ese hogar durante la secuencia inicial es ciertamente tenso. La niña llora desconsoladamente, Susana prepara frenética, un postre para su hija, mientras que la solícita Cora deambula lenta y torpemente pretendiendo ayudar en las tareas del hogar. Cuando la muchacha se dirige hacia la habitación del niño para cambiarle sus pañales entra en una acalorada discusión con Jorge sobre su madre y las habituales confusiones con las que tan difícilmente puede convivir.

Al regresar encuentra que Mamá Cora ha convertido su postre en una mayonesa y rompe en un ataque de nervios. Alterada se dirige, seguida por su marido, a la casa de Elvira (China Zorrilla) y Sergio (Juan Manuel Tenuta), otro de los hijos de Cora. Allí pide a los gritos que alojen a su suegra por un tiempo pues ya no la tolera pero solo recibe evasiones, críticas y la ironía de Elvira que minimiza el problema para, finalmente, desligarse de la responsabilidad de mantener a la anciana en su casa. Pronto arriba el tercer hermano, Antonio (Luis Brandoni) junto a su mujer Nora (Betiana Blum) en un lujoso auto y vestidos con elegantes prendas pues habían sido invitados para almorzar ravioles. La contraposición económica entre esta pareja y las restantes es evidente por tanto, apelando a ello, Susana reitera su pedido ésta vez dirigido a su otro hijo esperando hallar algo de compasión.

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Dirigida por Orson Welles en el año 1942 y basada en la novela homónima ganadora del premio Pulitzer en 1919 de Booth Tarkington, The Magnificent Ambersons (o El cuarto mandamiento) ofrece una historia ambientada en Indianápolis hacia finales del siglo XIX. Según ha comentado el realizador, para quien este film era el segundo en su filmografía como director, luego de Citizen Kane, la productora RKO alteró gran parte del material original al punto de extraer el fragmento de mayor relevancia para el desarrollo del film. Aún así la obra reviste valor, como todas las obras de Welles, por una concienzuda estructuración de la narración, una, acaso, clásica mas también personal caracterización de los personajes y un brillante empleo de los recursos del lenguaje cinematográfico.

El film parece estructurarse en dos grandes fragmentos que tienen por separador un cierre en iris que anuncia una pronta modificación de la situación presentada por el primero. Así el fragmento inicial comienza, empleando un montaje ágil, con la presentación del joven Eugene Morgan (Joseph Cotten) a quien vemos prepararse frente a un espejo para recoger a Isabel Amberson (Dolores Costello), quien le atrae y se halla enojada con él pues sin intención le había ridiculizado en público. Así le veremos tocar su puerta reiteradas veces e incluso seguirla mas nada de ello logra generar su atención. Finalmente la muchacha resuelve contraer matrimonio con otro de sus pretendientes, Wilbur Minafer (Donald Dillaway) y con él tiene al pequeño George. Desde su aparición en el film se enfatizan ciertas cuestiones sobre su personalidad, ostentando vanidad, impulsividad y un fuerte criterio anclado en la división de clases y capital económico, que se mantendrán aun en su adultez. Lo veremos claramente en la fiesta organizada en su honor al regresar, en vacaciones, de su institución de estudios. En ella se producen dos grandes acontecimientos que le conciernen, en principio es presentado por su madre al Sr. Morgan, a quien, por cierto, aquella ahora mira con cierta admiración advertida con desdén por su George, luego conocerá a su hija, la bella Lucy (Anne Baxter), con quien pronto establece un vínculo. Así la celebración llega a su fin mas en la pista vacía todavía se hallan Isabel y Eugene bailando un vals mientras Wilbur descansa en su recámara. Una vez que el padre y su hija se han retirado el muchacho deja ver su desagrado por la aparición del personaje de Cotten refiriéndose a él despectivamente generando particularmente en su tía Fanny (Agnes Moorehead) una frenetica reacción defensiva pues ella, a la vez, siempre ha gustado de él y este interés se intensificará a lo largo del film. Poco después veremos la conclusión del primer fragmento con un fallido paseo bajo la nieve en que debe de empujar el automóvil creado por Morgan que se ha quedado atascado. El cierre en iris determina la conclusión.

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Dirigida en 1966 por el director Michelangelo Antonioni, en un progresivo alejamiento de su tetralogía compuesta por La Aventura (1960), La noche (1961), El eclipse (1962) y El desierto rojo (1964), Blow up propone una historia basada libremente en la obra de Julio Cortázar titulada “Las babas del diablo”, articulada con una clara búsqueda estética y de indagación sobre el universo social que rodea al personaje principal, así como también propone un enigma sobre lo real, lo existente, en relación con lo creado por quien lo observa.

El film se centra sobre la figura de Thomas (David Hemmings) un joven londinense que obtiene sus ingresos y renombre como fotógrafo para revistas de moda, mas pronto comprenderá el espectador que sus intereses exceden este ámbito pues le hallamos planificando, junto a su editor Ron (Peter Bowles), la pronta conclusión y publicación de su libro de imágenes que parecen aludir a la cotidianeidad de la clase media y media baja. Resultaría difícil creer que este interés por la vida diaria de los menos pudientes corresponde a una genuina preocupación y búsqueda de la concientización social puesto que es claro que se alimenta de la frivolidad, se lo caracteriza a lo largo del film como un individuo al que es difícil de acceder, demuestra un claro utilitarismo y está sin dudas firmemente aferrado a un solapado machismo.

En una de sus habituales sesiones improvisadas logra obtener una serie de fotografías de una pareja en el parque. Empleando la cámara aquí subjetivamente, observamos cómo la muchacha (Vanessa Redgrave) vacila entre alejarse y abrazar a su acompañante mas pronto, al observar al voyeur corre hacia a él y pide enérgicamente que rompa los negativos de las imágenes que acababa de tomar. Ante una clara negativa la joven mira hacia el claro y nota la ausencia del hombre, corre entonces a buscarlo y desaparece detrás de los árboles.

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El espacio: La Frontera Final. Estos son los viajes de la nave espacial Enterprise. Su misión durante los próximos 5 años: encontrar nuevos mundos. Descubrir nuevas vidas y nuevas civilizaciones … Atreverse a ir a donde nadie ha llegado antes.

Muchos cuentan la duración de una serie desde su comienzo a su final, pero no todas las series pueden ajustarse a esta medida. El caso de la serie creada por el genial Gene Roddenberry tiene un comienzo, pero parece que por ahora no tendrá fin. Varias son las ediciones de la serie que uno no puede tomar como independientes dejándo de considerarlas como parte de la serie Star Trek.

Los comienzos de esta eterna saga se marcaron allá por 1966, exactamente el 8 de septiembre de 1966 por la NBC, cuando se emitía por primera vez la serie Star Trek. Si bien duró tan sólo 3 años, en 3 de junio de 1969 salió del aire, tuvo la duración necesaria para instaurarse en la mente de los televidentes, logrando un éxito que pocas series hasta el momento habían logrado.

El espacio siempre ha sido un gran interrogante para el común de las personas que sólo podemos mirarlo desde nuestras casas, más en aquella época que los vuelos en avión no estaban tan internalizados. Mostrar el espacio exterior, poder vivir una nave espacial desde su interior, soñar con la idea de los habitantes de otros planetas, de otras galaxias, convirtió a esta serie en todo un suceso.

Al momento de las nuevas ediciones de Star Trek, se tituló a al primera serie como “Star Trek: The Original Series” (TOS), protagonizada por William Shatner en el papel del capitán James T. Kirk liderando una tripulación de lo más variada y compleja. El capitán de la nave U.S.S Enterprise NCC-1701 ha logrado ser no sólo el capitán más carismático de todas las series, sino un galán y romántico incurable.

El primero al mando luego del Capitán, el Teniendo Comandante Spock (Leonard Nimoy) un vulcano muy particular talvez uno de los personas más significantes de la serie, un extraño ser que quedaría en la mente de todos los televidentes como un habitante de la galaxia correcto y respetuoso.

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Producida en el año 1974 con la dirección de Hector Olivera, La Patagonia rebelde halla su origen en la obra “Los vengadores de la Patagonia trágica” del historiador, ensayista, periodista y activista partidario del ideario anarquista Osvaldo Bayer. La pieza fílmica pretende remitirse a la búsqueda del libro original, proporcionar una fuente de análisis histórico para repensar ciertos sucesos que acaecieron ligados a la lucha social-anarquista de los trabajadores en Argentina durante el período 1920-1923 otorgando un panorama general de la situación social, política e ideológica, local e internacional. Tanto el film como la obra literaria, con sus diferentes destinatarios y dispositivos, poseen una clara y actual vigencia en las investigaciones de ese orden.

La narración se inicia en Río Gallegos, perteneciente a la provincia austral de Santa Cruz. Allí se presentará, inicialmente, a la Sociedad Obrera, sindicato de tendencia anárquica en que se desarrolla una asamblea con el fin de determinar acciones en respuesta a la injusta gestión de los empleadores del personal de uno de los hoteles de la zona. Presidida ésta por “el gallego” Antonio Soto (Luis Brandoni) con la colaboración de su colega “el alemán” Schultz (Pepe Soriano), concluye unánimemente en la huelga generalizada por tiempo indeterminado. Es en la cena en que el Gobernador de la provincia, Mendez Garzón (José María Gutierrez) es propuesto como gerente de la poderosa Sociedad Rural bonaerense en que la agrupación irrumpe y produce destrozos en parte del edificio logrando, con retroactividad, el cobro de los sueldos adeudados. Luego de este episodio veremos como los integrantes de la Sociedad Obrera se dirigen a los trabajadores rurales para lograr su afiliación y así otorgar a la federación un mayor poder. No sin temor ante las posibles represalias de los propietarios, parte de aquellos contribuye al movimiento, entre ellos José Font “Facón Grande”, interpretado por Federico Luppi.

Pronto el Gobernador, ante el reciente episodio, envía a fuerzas militares para ingresar por la fuerza al hogar de los dirigentes anarcosindicalistas y encarcelarlos. Las noticias de ésta gestión arriban al Poder Ejecutivo generando una posterior intervención del Presidente a cargo, Hipólito Irigoyen, quien determina la libertad de los apresados y el permiso para la gestión y huelgas de la Sociedad Obrera. La agrupación comienza, entonces, a peticionar más libremente mas aún con gran cautela.

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Candy (2006) no es una película fácil de llevar, se desarrolla explorando o navegando los opuestos extremos de la vida actual y los excesos de dos jóvenes amantes que conviven con ella de una manera poética, hermosa y sumamente cruel. Es como presenciar una tragedia que sabes no puede terminar bien, solo resta preguntarte cuan duro será el inevitable golpe del final. Sus tres actos o capítulos, Cielo – Tierra – Infierno, así lo proponen desde un principio, van desde lo más puro y utópico hacia lo más crudo y real en tan solo 108 minutos.

Antes de verla había leído ya algunos comentarios que la catalogaban como un filme romántico poco convencional que hablaba sobre un tema tabú, esto es, sobre lo terrible y devastador que puede resultar el consumo adictivo de drogas. Leí críticas favorables y desfavorables, algunas de ellas decían que solo es una película más sobre la adicción a las sustancias ilegales y que no le llega ni a los talones a otras del género como Trainspotting (1996), otras decían que es una muy buena adaptación del libro homónimo escrito por Luke Davies (el cual reconozco no he leído pero sé que ha sido premiado) y que esto tal vez se deba a la destreza del director Neil Armfield y los productores, al lograr que el autor participe en la escritura del guión adaptado con la colaboración del mismísimo director.

Como ven, no sabía bien con que tipo de producto me iba a encontrar, pero las buenas críticas superaban en número a las malas por lo que no esperaba una rotunda decepción sino todo lo contrario… Y gracias a todos los Dioses del mundo que fue así!!!, Candy me pareció una obra increíble, sólida y devastadora, cruda en toda la extensión del relato pero sin dejar de lado la belleza del amor en su estado más puro y poético. Es válido aclarar que no resultó para mi una película más sobre el tema de las drogas en particular, y/o una historia más de amor poco o nada convencional, sino que me quedé con la amarga sensación de haber sido espectador de una observación despersonalizada del director sobre el cóctel conflictivo y de confusión que viven estas personas de clase media con respecto a sus sueños, esperanzas, frustraciones, y perspectivas de vida, que luchan por mantener su lugar en el mundo sin tener que someterse a la pérdida de aquello que los hace sentirse completos, ser personas dignas… Tal vez me gustó porque me resultó fácil sentirme identificado con estos jóvenes.

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Dirigida en 1993 por Bille August (realizador asimismo de obras como la reconocida Pelle, el conquistador, y Las mejores intenciones, con guión de Ingmar Bergman), La casa de los espíritus se basa en la novela homónima de 1942 de la escritora chilena Isabel Allende. La historia cinematográfica, cuyo desarrollo en tierras chilenas comienza en años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, abarca un lapso temporal de casi sesenta años y en ellos el transcurso de cuatro generaciones. Con un elenco de primeras figuras consagradas en el cine angloparlante se presenta esta obra que intenta abordar un contenido de fuerte vínculo con los efervescentes sucesos políticos y sociales pretendiendo no incurrir en posibles tergiversaciones europeizantes.

El film plantea, en su comienzo, una tríada de personajes fundamentales, uno de ellos es Esteban Trueba, fuerte figura masculina representada por Jeremy Irons, que logra abandonar su vida de humilde minero para adquirir un renombre como poderoso terrateniente mediante la obtención de una herencia y, con ella, la compra de una abandonada estancia, “Las Tres Marías”, que progresivamente repara. En este tramo se profundiza sobre el carácter despótico e implacable que contribuye a generar su riqueza e imagen respetable. Sus deseos de contraer matrimonio pronto le llevarán hacia Clara (Meryl Streep), hermana de quien fuese su prometida, e hija de un adinerado político liberal, con quien pronto compartirá la mansión. Asimismo también la habita Férula (encarnada por Glenn Close), hermana de aquél, con quien Clara establece una vinculo estrecho y a quien recurrirá en múltiples ocasiones para guarecerse de los malos tratos de su esposo.

En el transcurrir del tiempo el personaje de Streep se delinea como un mero complemento en la vida del poderoso terrateniente, su carácter apacible y dócil, sin embargo, se torna algo más atractivo con cierto poder místico de clarividencia y adivinación y como receptáculo de una ambigua atención por parte de Férula que, piadosa, le empara de una forma particularmente maternal mas acaso con ciertos matices lésbicos que se evidenciarán mas adelante en el film.

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Nuevamente les presentamos un película estadounidense donde la accion y el suspenso esta en todo momento. Vantege Point o Puntos de vista fue estrenada este año protagonizado por actores consagrados como son Dennis Quaid y Forest Whitaker, también podemos destacar le presencia de Sigourney Weaver, William Hurt, Matthew Fox ( Jack, de Lost) y el español Eduardo Noriega, debutando en la industria de Hollywood.

La película trata resumidamente en un atentado en la plaza Mayor de Salamanca (España), donde cada personaje lo vive y lo ve de manera distinta, uniéndolos al final y dándole un resultado coherente. Los hechos en si no deben durar mas de media hora, pero viendo cada personaje lo que hace al mismo tiempo que otro, la película tiene una considerable duraciones de una hora y media.

La historia comienza desde el punto de vista de una cadena de televisión, viendo desde afuera todo lo que pasa, y también sufriendo la perdida de una de sus periodistas ( por una explosión que mas adelante comentare). La Plaza mayor esta repleta de gente y se espera la llegada del presidente de los estados unidos para celebrar una cumbre internacional de paz. Mientras los abucheos de la gente aumenta el presidente llega al lugar con sus varios guardaespaldas, dos de los cuales son protagonistas de la historia. Ya estando en el podio, mientras el presidente hablaba, recibe dos disparos en el pecho, toda le gente empieza a desesperarse y corre para todos lados. Luego de unos minutos, el caos empeora cuando un explosión destruye todo el podio presidencial. Este increíble comienzo nos hace suponer que la película es bueno, con el tiempo nos damos cuenta que así es y el final, se los anticipo que es increíble.

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Muerte en Venecia (1971) es un clásico film del director Luchino Visconti basado, si bien con algunas modificaciones específicas, en la obra de Thomas Mann que, para su creación en 1911, hubo de basarse en ciertos episodios y características del compositor Gustav Mahler como así también en algunas experiencias personales. El film conjuga una historia compleja y psicologista que aborda la decadencia del protagonista sin permitirle traspasar los propios límites impuestos, junto con una maravillosa dirección fotográfica y actuaciones a la altura de los sucesos narrados.

La obra se centra sobre la figura de Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), músico de profesión, que ha debido embarcarse a Venecia por razones de salud que luego serán desarrolladas. A su llegada al Grand Hotel des Bains, luego de un fallido recorrido en bote, toma pronto su habitación y luego de desempacar se dirige a la ventana para admirar el maravilloso paisaje. Aquí se instaura el primer flashback en el que se muestra al protagonista tendido sobre un sofá, demacrado, mientras es examinado por un doctor que diagnostica, finalmente, una actividad cardíaca frágil para cuya estabilización debia de tomarse un descanso. Así la narración regresa a la habitación de su hotel donde, antes de dirigirse al comedor del establecimiento, toma en sus manos dos portarretratos con las imágenes de una mujer y una niña, pronto las entenderemos su hija y esposa. Es en el lobby, a la espera del llamado del maitre, en que se produce un fundamental hecho: von Aschenbach retira su vista del diario que se hallaba leyendo y percibe la intrigante y atractiva figura de un joven (Björn Andresen) acompañado por su familia. Incluso durante la cena habrá de observarlo fijamente y un acertado montaje sonoro complementará esta situación con una voz en off que dirá “belleza, te refieres a tu concepto espiritual de la belleza”, para dar paso a una profunda conversación sobre el arte y lo bello que hubo de mantener con su ayudante, Alfred (Mark Burns). Posteriores encuentros se producirán entre el compositor y el joven Tadzio, ahora objeto de sus pensamientos, mas en todos ellos, si bien no habrá una conversación dialógica explícita sí se verán cruces de miradas. El personaje del niño comienza a ser algo inquietante pues le vemos observar detenidamente al protagonista y luego escapar a un posible contacto, ciertos indicios de homosexualidad pueden incluso ser vistos en una de las escenas en la playa en que se lo ve abrazado a un muchacho y recibir de el caricias.

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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