Lars Von Trier no se caracteriza por realizar films esperanzadores o llenos de luz. En su primera época, más barroca, el danés entregó “El elemento del crimen” (1984), “Medea” (-1988 -, peculiar versión para la televisión) y “Europa” (1991), entre otras. La característica era una recarga visual, un especial acento puesto en la forma, dejando al contenido funcionando de manera primordialmente surrealista. La segunda etapa, ya habiendo fundado el famoso Dogma ´95 (el cual, paradójicamente, nunca respetó 100%), tuvo a “Contra viento y marea” (1996), “Bailarina en la oscuridad” (- 2000 - después de la cual su protagonista, la islandesa Bjork, juró nunca más hacer cine, tal era el trauma que le había dejado la dirección de Von Trier) y “Los idiotas” (1998). En estos films, Von Trier evidenciaba ya ciertos rasgos autorales más específicos, como el hecho de tomar a sus rodajes como grandes laboratorios que, desde la ficción, ensayabas dramas humanos que lindaban con lo místico, mientras que él jugaba el papel de demiurgo autoritario.

En la tercera etapa, está la trilogía de “La Tierra de las Oportunidades”, donde, para hablar de los males inherentes a la especie humana, Von Trier ubica a sus personajes en la década del ´30 en los Estados Unidos. En la hasta ahora peor de las crisis económicas sufridas en ese país, una década que es también un punto de inflexión, Von Trier supone que es ahí donde puede encontrar los parámetros indelebles que definen la conducta humana.

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Obra maestra del cine clásico de terror americano dirigida en el año 1963 por el extraordinario Alfred Hitchcock, The Birds propone una peculiar y simbólica trama basada parcialmente en una obra de la corta historia homónima de Daphne du Maurier en conjunción con un maravilloso uso de las técnicas de producción logrando una pieza compleja y, sin dudas, en extremo original para su momento cinematográfico.

El film nos sitúa inicialmente en una tienda de mascotas de San Francisco donde la protagonista, Melanie Daniels (“Tippi” Hedren), se halla con el objeto de recoger un ave que habrá de obsequiar a su tía. Es allí donde se produce el encuentro con la poderosa figura masculina central, Mitch Brenner (Rod Taylor), abogado, quien pretende confundirle con una vendedora preguntando por un par de lovebirds (o agapornis), a lo que ella responderá con presteza como si lo fuese verdaderamente. Pronto revelará haberla reconocido desde un comienzo pues no era este su primer encuentro sino en una corte de justicia, mas se irá con las manos vacías e insultado por la joven. Melanie, intrigada y algo atraída, luego obtendrá información sobre su nombre y lugar de residencia por medio del número de placa y contactos especiales. Es así que la veremos pronto conduciendo por la ruta hacia Bodega Bay, un pequeño pueblo donde se supone, se halla Mitch durante el fin de semana, llevando consigo una jaula con dos pájaros que depositará a escondidas en su casa. En el trayecto que separa al hogar de éste y la costa es embestida inesperadamente por una gaviota. Brenner que la había divisado a la distancia, para entonces había tomado ya su camioneta y la esperaba del otro lado, donde la recoge y lleva a un restaurant local para atender la herida. En medio de un juego ambiguo de seducción invita a la joven a cenar en su hogar y le presenta a su viuda madre (Jessica Tandy) quien casualmente entra al local en medio de la conversación. Una primera impresión nos mostrará la escasa felicidad que produce en ella la noticia de la nueva invitada. Al arribar por la tarde a la velada es presentada a la hermana menor de Mitch, Cathy, con quien entabla rápidamente una amistosa relación y quien le invita a su cumpleaños, que se realizaría al día siguiente. Hasta entonces veremos algo más del desarrollo del vínculo establecido entre ella y los integrantes de la familia con una evidente tensión en el caso de Lydia, la madre.

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Cuando dejó el Instituto de Arte de California, Tim Burton entró a trabajar a Disney. Eso fue a fines de los ´70s, específicamente en 1979. No tomó mucho tiempo para que Disney y el propio Burton se dieran cuenta que el joven animador no cuadraba en lo que el estudio pretendía.

Para Burton, era una tortura, según sus propias palabras, porque, trabajando como parte de un equipo de animadores de una megacompañía como Disney, “tenía” que estar dibujando todo el tiempo. No había lugar para la pausa o la búsqueda de elementos nuevos. Asimismo, ya desde el inicio quedó claro que su visión oscura del mundo tampoco era aceptada por sus superiores; sus bocetos de personajes solían ser rechazados, como ocurrió con todas sus propuestas para “The Black Cauldron” (que comenzó su realización a fines de los ´70s, pero recién se estrenó en 1985).

Fue entonces, al borde del despido, que Burton convenció al estudio de dejarlo filmar un corto de animación que combinaría tanto lo 2D como lo 3D. Basado en un relato propio que homenajeaba tanto a Edgar Allan Poe como al Dr Seuss (Theodor Seuss Geigel fue uno de los más celebrados autores de narrativa infantil, donde combinaba imágenes surrealistas con un peculiar estilo rimado). El estudio terminó de aceptar cuando Vincent Price accedió a ser la voz del relator, experiencia que Price siempre mencionó como una de las más gratificantes de su carrera, “incluso más que una estrella en Hollywood Boulevard”. La colaboración Burton-Price habría de repetirse años más tarde, cuando, de forma póstuma, el legendario actor de tantos filmes de terror participara de “Edward Scissorhands”.

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Cumbres Borrascosas, producida en 1939 con la dirección de William Wyler y basada en parte de la obra homónima de la poeta y novelista británica Emily Brontë, es uno de los films melodramáticos más reconocidos del período de oro del cine Hollywoodense.

El film comienza con una secuencia en la que un individuo busca guarecerse de la nieve y recurre para ello a la hospitalidad de los habitantes de la mansión Wuthering Heights donde habría de pasar la noche. Al llegar a la habitación que su dueño, Heathcliff (Lawrence Olivier) le destinara, escucha a lo lejos, perdida en el páramo blanco, la voz de una joven. Pronto se dirige al ama de llaves, quien comienza a narrar al invitado el origen de tal sonido, instaurando un gran flashback en el relato que durará casi la totalidad del film. Su relato tomara lugar a comienzos del siglo diecinueve y aludirá a la familia Earnshaw cuyo padre, a la llegada de un viaje comercial, presenta a su esposa e hijos, Cathy (Merle Oberon) y Hindley (Hugh Williams), un pequeño andrajoso al que rescató de que le apresaran. El nuevo integrante es mal visto por éste último pues le considera un intruso que nada tiene que hacer allí excepto servir, mientras que desarrolla con la pequeña Cathy una estrecha relación de amor inocente que habrá de prolongarse hasta su adultez. Es entonces cuando Hindley adquiere el mando sobre Cumbres Borrascosas, luego del fallecimiento del padre de la familia, y nombra, finalmente, a Heathcliff encargado del establo.

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“Noche y Niebla” es un documental de 32 minutos, realizado en 1955 por Alain Resnais, acerca de los campos de concentración. El film fue parte de la celebración de los diez años de la liberación de Francia de la ocupación Nazi, celebración impulsada y organizada por los historiadores Henri Michel y Olga Wormser-Migot. Comisionado por el Comité de Historia de la Segunda Guerra Mundial y la Red del Recuerdo, fue escrito por el poeta Jean Cayrol (cuya voz es la que se escucha como narradora a lo largo de la película recitando sus propios textos), quien había publicado en 1945 “Poemas de la noche y la niebla”, en referencia a su experiencia como sobreviviente del campo Mauthausen.

El título original era “Resistencia y Deportación”, pero en una reunión de pre-producción se decidió reemplazar ese nombre por el de “Nacht und Nebel” (“Noche y Niebla”), remitiendo a la marca que tenían ciertos prisioneros políticos, y al decreto de 1941 de Heinrich Himmler, en el cual quienes resistieran al Reich serían deportados y “disueltos, desaparecidos en la noche y la niebla”. La expresión, coloquialmente, significa algo así como “escapar secretamente de la oscuridad”. También en la ópera de Wagner – el compositor preferido del nazismo - “Das Reinghold” (1869) uno de sus personajes termina diciendo, mientras desaparece “Noche y niebla, ya no más nadie”. Resnais, por su parte, aceptó participar por la presencia de Cayrol, pero también, como dijera luego, porque veía la posibilidad de elaborar una obra que también estuviera hablando, desde un lugar distanciado, de la ocupación francesa en Argelia.

El film está rodado en color, pero revirtiendo permanentemente a las imágenes en blanco y negro de archivo, tanto de fotografías como de viejos noticieros. Estos últimos ilustran la barbarie y el sadismo nazi, al tiempo que el texto en off comenta la estructura y el funcionamiento de los campos de concentración. No es sólo la tortura su foco de interés, sino también ver a los campos como parte de un engranaje económico. De hecho, Pier Paolo Pasolini habría de hacer algo similar en su pieza teatral “Calderón” (una relectura de la obra “La vida es sueño”, de Calderón de la Barca, de 1635), de 1973, cuando su protagonista despertara finalmente para ver la realidad como un campo de exterminio.

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Dirigido en 1983 por el ícono cinematográfico Woody Allen, Zelig propone una suerte de relato documental enteramente ficcional que aborda, como es su usual estilo, cuestiones profundas como la identidad y las psicopatologías desde una perspectiva cómica compleja.

La estructura del film se verá unificada por la voz de un narrador masculino que relatará la historia del personaje protagonista y dará paso, frecuentemente, a variados testimonios tanto contemporáneos a su período de fama como así también correspondientes al tiempo de realización del pseudodocumental, entre éstos cabe destacar la aparición de la reconocida ensayista Susan Sontag y el analista político Irving Howe. Para aumentar la veracidad de la información se recurre, asimismo, a fuentes de variados medios: fotografías, grabaciones, films caseros, productos comerciales, etc.

La historia se aborda, inicialmente, desde los escritos del novelista Scott Fitzgerald que, con el fin de realizar una crónica de la década de 1920, próxima a acabarse, alude a un individuo llamado Leonard Zelig (Allen) que parecía tener la habilidad, en las fiestas de la alta sociedad, de encarnar a un personaje aristócrata para luego simular una personalidad en absoluto diferente e indistinguible al hallarse junto a los cocineros del evento. Posteriores ejemplos servirán para demostrar la capacidad del protagonista de asemejarse física y gestualmente a las personas junto a las que se halla: así le veremos adoptar la conducta de un matón en una reunión de gangsters, y luego, al hallarse junto a la banda, adquirir el comportamiento y apariencia de un trompetista negro de jazz. Zelig finalmente es llevado al hospital para su investigación donde la Dra. Eudora Fletcher (Mia Farrow), fascinada por su ingreso, requiere a las autoridades del hospital le permitan hacerse cargo del nuevo paciente. Durante las primeras sesiones el protagonista afirma convincentemente ser un psiquiatra especializado en paranoias, razón por la cual Fletcher arregla una serie de experimentos exponiéndolo a diversos personajes cuyos rasgos finalmente adopta. Es la hipnosis el método que permitirá aproximarse a una posible razón pues es aquí cuando Zelig comenta haber iniciado su hábito luego de dos ocasiones en que sintió hallarse a la merced del juicio ajeno, sería entonces el asemejarse a los demás un método para sentirse seguro e integrado.

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La pasada publicación de nuestra compañera Laura M. sobre el film Love, Liza (2002), no ha hecho más que traerme a la memoria -por su gran parecido argumental- una película que he visto hace un par de meses y que realmente me ha gustado mucho, motivo por el cual, no puedo dejar de compartir mi opinión con respecto a la misma, con todos ustedes. Les estoy hablando de Reign Over Me (2007), protagonizada por Adam Sandler y Don Cheadle en los papeles principales y un gran reparto en los roles secundarios, en donde podemos apreciar a Jada Pinkett Smith (esposa de Will Smith en la vida real), Liv Tyler, Saffron Burrows, Donald Sutherland, entre otros.

La esperanza vive en mi, como se la conoce en Argentina, o En algún lugar de la memoria, como creo que se la tradujo en España (odio cuando por cuestiones comerciales de cada país, les cambian el nombre original), básicamente cuenta la historia sobre el reencuentro de dos viejos compañeros -y amigos- de la universidad. Cada uno de ellos, ya con sus vidas familiares y profesionales hechas y con sus profundos dramas personales a cuestas, redescubren y exploran el poder de la amistad, el compañerismo y la solidaridad, valores muy importantes y necesarios pero bastante olvidados, de por cierto, en estos últimos tiempos de pensamiento neoliberal.

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Imagen de la película - Foto: suanie

Alguna vez has sentido el deseo de escribir en una hoja de papel el nombre de la persona que odias para que desapareciera para el resto de tu vida. Pues bien, seguro que más de uno ya lo ha pensado al leer estas palabras y ha decidido hacerlo. Hay que sinceros, más de uno lo ha pensando alguna vez. En una Death Note –Cuaderno de la muerte- puedes hacerlo al escribir el nombre de la persona que quieres que fallezca. Y en cuarenta segundos un ataque al corazón hacen que tu deseo se cumpla. Aunque no es tan sencillo porque esta libreta misteriosa tiene una serie de normas que si no se cumplen pueden causar graves consecuencias a quien la posea. También se da el caso de que puedes especificar la causa de la muerte, entonces tienes seis minutos para detallar un plan que funcione. Y entonces el juego será más divertido.

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Hay un dicho que dice que, cuando los obstáculos se acumulan y la aventura se transforma en algo que se adivina imposible en su forma original, es necesario hacer de la falta una virtud. En “Apocalypse Now”, Marlon Brando no quería planos de cuerpo entero y tampoco se sabía el guión. Francis Ford Coppola y Vittorio Storaro resolvieron con improvisación, nueva iluminación y un plano cerrado. En “La película del rey”, de Carlos Sorín, el protagonista se la pasa teniendo que hacer estos ajustes para poder llevar a concreción su sueño. Steven Spielberg, en sus inicios, con lo que sería su primer gran éxito y, de hecho, inauguraría toda una era de superproducciones, experimentó en carne propia la posibilidad de que el film fuera un desastre.

En “Buscando a Nemo”, el tiburón vegetariano se presenta como Bruce. Bruce, casualmente, era el nombre del tiburón mecánico para “Tiburón”, realizada en 1975 por Steven Spielberg. En el parque de diversiones de Universal solía haber una réplica, bautizada Bruce II. El primero, probablemente, nunca funcionó mejor que su copia más barata.

“Tiburón”, novela best-seller de Peter Benchley (quien también escribió las primeras versiones del guión), estaba basada en unos míticos pero reales ataques que tuvieron lugar en las playas de New Jersey en Julio de 1916. Si bien los personajes y la ubicación temporal cambian, la secuencia de los hechos retratados en el film y la novela siguen, bastante fielmente, aquellos de los hechos en los que están basados. Incluso la cacería, y la rareza de que un un escualo de semejante tamaño se metiera en canales angostos, como si estuviera persiguiendo a sus presas. Antes de 1916, muchos estudiosos habían desestimado el peligro que el carcharodón (que, en su versión carcharias – el tiburón blanco de “Tiburón” -, puede llegar a medir 12 metros) representaba para el ser humano. Los ataques de Jersey Beach cambiaron esa percepción, para transformar a estos peces en fríos y crueles asesinos, símbolo de sadismo y maldad sin conciencia (de ahí el mote de “tiburones”, para los abogados).

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Brain Candy, estrenada en 1996, es el primer y único film del reconocido grupo de comediantes canadienses The Kids in the Hall que, luego de cinco temporadas televisivas se dirigieron a la pantalla grande con un proyecto que generó una gran polémica por su temática y el tratamiento de algunos de sus personajes como así también pobres recaudaciones en taquilla pero logró, por el contrario, reafirmar la apreciación de sus fieles seguidores.

El film se inicia en el precario laboratorio dirigido por el Dr. Chris Cooper donde, luego de una ardua investigación, se halla una posible cura para la depresión. Ante el inminente cierre del espacio de estudio por cuestiones económicas Cooper se ve forzado a llevar su producto a la comercialización aun no habiéndose realizado las pruebas para confirmar su efecto. Esta maniobra ayudaría, asimismo, a la empresa productora, Roritor Pharmaceuticals a superar su crisis. Es así que la droga Gleemonex, que ha sido, para peor, catalogada de venta libre, se convierte en una sensación y no es, por tanto, solo usada para casos clínicamente necesarios sino en cualquier ocasión, sin miramiento alguno.

El funcionamiento de la medicación consiste en hallar en el subconsciente del paciente un recuerdo verdaderamente feliz para bloquearlo químicamente y lograr un estado de constante satisfacción, mas no transcurre mucho tiempo hasta que comienzan a emerger los primeros casos de efectos secundarios. Pronto veremos a pacientes como a la Sra. Hurdicure que luego de consumir la pastilla e instaurar su recuerdo feliz, la ocasión en que su hijo le visita forzosamente para navidad, entra en un estado de coma. Así aumenta la cantidad de casos y se instala un conflicto entre la empresa productora y el grupo de científicos a cargo de la invención con el fin de atribuir públicamente la culpabilidad. La conclusión del film es coherente con el estilo y esta particular visión social de The kids in the hall que es, sin duda, aún vigente pues plantea abiertamente la dominante necesidad de recurrir a soluciones provisorias para desviar la atención de las problemáticas que rodean al individuo y su imposibilidad, incapacidad o temor de resolverlas. Vemos aquí el carácter controversial del film en su historia mas también cabe destacar ciertas cuestiones generadas a partir de personajes como el abyecto y temible Don Roritor, a quien se consideraba una certera emulación de Lorne Michaels, creador de Saturday Night Live y personaje clave para el ingreso de The kids in the hall al ámbito televisivo. Diferente sucedió con Cancer boy, un niño demacrado en silla de ruedas que afirma con una sonrisa datos sobre, por ejemplo, su tratamiento y gana, en una entrega de premios musicales, un galardón por una perturbadora canción de su autoría. Este personaje fue inicialmente llevado a la pantalla en el ultimo show televisivo del grupo con el fin deliberado de “ser lo mas insultantes posible” e incluido en el film, mas su aparición fue en su momento fue considerada altamente ofensiva. Finalmente parte de esta controversia se evidenció en el escaso exito del film.

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