Lo primero en hacer al salir de la sala de cine, luego de ver esta película, ha sido correr a intentar comprarme el libro de Richard Matheson, y digo intentar, porque aún no he podido conseguirlo en ninguna librería de Córdoba… (mientras maldigo mi suerte, pienso en lo increíble de este periplo, considerando que Córdoba es la segunda ciudad en importancia de Argentina).

Tampoco logro entender como nunca he leído “Soy Leyenda”, a mi que de verdad me fascinan las historias apocalípticas como las que solía contar Stephen King en sus mejores épocas en títulos como La Danza de la Muerte (The Stand), La Niebla (The Mist), o La Tienda de los Deseos Malignos (Needful Things), en donde el mal y el bien en todas sus expresiones tienen sus confrontaciones místicas en un escenario catastrófico, terrenal y sobretodo, humano. Así como también muero por las oscuras historias de vampiros, hombres lobo, ángeles, demonios, y toda clase de seres fantásticos que al entrar en contacto con nuestra realidad, alimentan nuestras más profundas emociones como por ejemplo el miedo. Para ponerlos en contexto, les confieso que en este punto me reconozco fanático del clásico literario Drácula de Bram Stoker y de su posterior versión cinematográfica de Francis Ford Coppola, de La Hora del Vampiro (Salem´s Lot) del mismísimo King, y de comics como Constantine o El Predicador (simplemente genial, lo pueden comprobar en http://www.guiadelcomic.com/comics/predicador.htm), los cuales les recomiendo leer si es que no lo han hecho ya.

Teniendo en cuenta todo lo anterior, notarán que esta película contaba con todas las variables posibles como para al menos entretenerme, lo único que no me terminaba de convencer era la participación de Will Smith en el papel principal, quien nunca ha sido un actor de mi preferencia. Con el tiempo se darán cuenta de que no me gusta catalogar categóricamente a algo o alguien como malo o bueno en su condición, por lo que siempre partiendo de la premisa de que todos somos diferentes y de que por ende, percibimos diferente, y por una cuestión de respeto a la diversidad y a la heterogeneidad, solo puedo opinar sobre porque algo o alguien a mi particularmente no me gusta, o no me gustó… y nuestro amigo Will no me gusta porque en la mayoría de los papeles en los que lo he visto actuar, me ha resultado arrogante, con una ironía y un sarcasmo ¿cómico? que nunca me termina de convencer (a diferencia de por ejemplo: Bruce Willis en sus roles en Duro de Matar o El Último Boy Scout). Eso de cumplir siempre con el estereotipo de héroe –normalmente norteamericano- que se las sabe todas y que encima alardea de ello no va conmigo.

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Cuando Francis Ford Coppola se abocó finalmente al rodaje de “Apocalypse Now”, allá por fines de la década del setenta tras los dos capítulos (que luego terminaron siendo tres) de su exitosa saga “El Padrino”, no se imaginó realmente qué le esperaba. Años más tarde, en Cannes, durante la presentación de su film, habría de decir “No es un film que hable de Vietnam, es Vietnam”.

La locación elegida había sido Camboya, y Coppola, aunque de forma accidentada, habría de contar con la colaboración del gobierno local. Visualmente, era lo mismo que estar filmando en Vietnam, y el ejército podía prestarle sus equipos, que eran los mismos que en el otro lugar. Sin embargo, lo que no se imaginaba el director era la odisea en la que estaba a punto de embarcarse, que ya mostraba sus aristas desde el día cero: al finalizar la primer semana de rodaje, Coppola llegó a la conclusión de que su actual actor protagónico, Harvey Keitel, no era el indicado para el rol de Willard.

Martin Sheen tenía en ese momento unos treinta y tantos años, y habría de cumplir otro par durante la filmación. Lo que pensó sería un trabajo de unos cuatro meses (dieciséis semanas de rodaje), terminó siendo… bueno, mucho más. Sheen era conocido por sus colegas como un tipo simpático, abierto, agradable para tener de compañero. Pero Sheen también era actor de método, y eso implicaba compenetrarse con el personaje. Siglos después de aceptar la oferta de Coppola, para el día de su cumpleaños número 36, aquel hombre extrovertido había dejado paso a otro depresivo y oscuro, que se sentía extraviado en el mundo y muy solitario en Camboya, lejos de su familia. Se emborrachó a más no poder y esa noche, durante la filmación de lo que sería la secuencia inicial de “Apocalypse Now”, estuvo muy cerca de un brote psicótico. Quienes estuvieron en el rodaje cuentan que el clima se volvió denso y se cortaba con un cuchillo, lo que resulta irónico, porque Sheen, en una de las acciones, y debido a su estado de ebriedad, calculó mal e hizo trizas un espejo, haciéndose un corte profundo en la mano. Pero el rodaje no se cortó, sino que continuó a pedido del propio actor, que seguía lanzando líneas de diálogo mientras sangraba profusamente. Un par de días después, como resultado del pico de stress, Sheen habría de tener un infarto; según le dijeron los médicos, el infarto de una persona veinte años mayor que él. La producción no podía detenerse, aunque los productores entraron en pánico, así que, sin ninguna certeza sobre el futuro, debieron arreglarse sin él durante un mes. En este lapso, discutiendo con el estudio, Coppola llegó a gritarles “Martin Sheen no se muere hasta que yo lo digo”.

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El niño prodigio de la cultura pop de los años 90, Harmony Korine, se parece cada día más a una especie de cineasta imperceptible del que no se sabe ni que existe. Hace algunos años, Gummo, su primer largometraje cayó como una bomba en el mundillo del cine independiente de los Estados Unidos. Tanto que ha contado con el apoyo de Werner Herzog y Gus Van Sant, entusiasmados por ver como ese enfant terrible destruía todas las convenciones sobre cómo se hace una película. A medio camino entre lo mortífero y lo poético cortaba con todas las producciones estandarizadas, revelaba sus influencias (Cassavetes, Godard y Jarman) a la vez que garantizaba una sensibilidad brutal ya anunciada en su contribución al guión de Kids (Larry Clark). Korine ataca de nuevo con Mister Lonely, una comedia sobre la falsedad que cuenta como en París, un joven americano (Luna) qen trabaja como un imitador de Michael Jackson conoce a una imitadora de Marylin Monroe (Morton), lo invita a su vecindario en Escocia, donde vive con un imitador de Charlie Chaplin y su hija Shirley Temple.

Temporal o no, Harmony Korine parece haber extraído una característica sobre los retratos oscuros de adolescentes que esnifan el pegamento, quieren acabar con sus padres, padecen del virus del desconocimiento y yerran al no reconocer sus malas vidas. A su modo de ver, este cambio en su manera de ver el mundo tuvo lugar cuando su casa se quemó con todos sus recuerdos y se refugió en la Amazonia, para formar parte de una secta dedicada al culto de un extraño pez que sólo se cada setenta y cinco años. Tanta parodia o parafernalia se confirma de manera involuntaria en Mister Lonely, una cinta esquizofrénica donde encontramos dobles de Michael Jackson, Charlie Chaplin, Abraham Lincoln, la reina de Inglaterra, el Papa, Madonna, Buckwheat, Sammy Davis Jr y Marilyn Monroe, ablandando ese estilo tan agresivo de las primeras películas, dando lugar a una emotividad un poco más moderada y sana, me atrevería a decir.

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El planeta entero está a punto de ser destruido por la acción del ser humano, todos los científicos lo dicen desde sus laboratorios y universidades. Ante el calentamiento climático, la fundición de los hielos, la desaparición de millones de hectáreas de bosque y los numerosos desajustes naturales que ocurren en todo el planeta hay algunas personas que están intentando reaccionar. Este es el caso de Rob Stewart, biólogo y fotógrafo especializado en el mundo submarino y un ¡enamorado de los tiburones! Testigo de la extinción en masa de su animal favorito, traza aquí el retrato apenando de una especie en vías de extinción, una especie que nunca ha tenido las simpatías del hombre y ha sido maltrata. A través de un documental de choque que no duda un segundo en ir a expulsar a los furtivos y tomar partido en la lucha por las especies animales, Rob Stewart reacciona y nos abre los ojos sobre nuestra ignorancia y pasividad. Una crítica constructiva, apasionada y terrible.

Desde la infancia, Rob Stewart es un apasionado de los tiburones. Tanto que se convirtió en biólogo y fotógrafo submarino con el fin de poder nadar con ellos, descifrar su misterio y destruir el mito del tiburón antropófago. Este mito, enteramente, sería a su modo de ver responsable de la indiferencia que rodea al ser humano ante estos animales en todas partes del mundo. Si no, no existe otra explicación a la masacre que se realiza con fines comerciales. De Costa Rica a las Islas Galápagos, pasando por Guatemala, Stewart y la tripulación del activista de los mares Paul Watson intentan denunciar y hacer fracasar a los furtivos a saldo de mafias asiáticas respaldadas por gobiernos corruptos. En juego está el equilibrio ecológico del planeta.

Raros son los documentales que nos ponen ante una realidad tan terrible, capaz de hacer nacer en el espectador un sentimiento de culpabilidad tan intenso y útil en esto de la concienciación ecológica. Como buenos imbéciles que somos, nos hemos empapado de la imagen que la televisión ha dado de un animal al que se ha demonizado sin motivo. El tiburón ha sido considerado como el último enemigo de la especie humana al considerarlo el rey de la cadena alimentaria del fondo marino. Sin embargo estamos hablando de un animal temeroso, muy poco conocido por parte de los biólogos y que se está extinguiendo a pasos agigantados. En los últimos años, a causa del comercio de la aleta de tiburón se ha convertido en una delicatesen en algunas regiones del mundo. Gracias a eso, se estima que el 90% de los tiburones han desaparecido.

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Una introducción musical que pasa desapercibida durante los primeros minutos y que termina pasando desapercibida ante la fuerza de las imágenes de Paul Thomas Anderson. La sutileza en el montaje, la utilización de violines para la banda sonora, los intercambios de mirada impacientes, la precisión maníaca de un gesto y la intensidad brutal de las imágenes dicen todo. Así comienza una historia que dura más de dos horas y media, en la que los acontecimientos se entrecruzan con la misma potencia; porque Pozos de Ambición es un meteorito dispuesto a estrellarse contra todos los que se sientan en la sala de cine. Una apuesta por la inteligencia y sensibilidad del espectador. Un modelo de construcción de historias que Paul Thomas Anderson ya había experimentado en otra ocasión con menos medios. Después de No Country for Old Men, de los hermanos Coen, tenemos encima de la mesa una de las mejores cintas del año. ¿Os seguimos contando de qué va?

Daniel Plainview (Daniel Day Lewis) es un prospector de petróleo astuto, hijo de un perforador que murió en su trabajo, compra los derechos de explotación de unos pozos de petróleo de una familia que vive en un rancho de Texas. El petróleo va a cuestionar el sueño americano. Con eso está todo dicho. Sería inútil contar más porque todo está en la pantalla. Aparentemente, Pozos de ambición diseca la fascinación americana del Western a través del itinerario de un trabajador que se convierte en magnate del petróleo. Un Rockefeller a partir de la nada. Más concretamente, de Edward Doheny, personaje que existió realmente y que es fuente de inspiración del cineasta, que a principios del siglo pasado hizo cavar más de quinientos pozos y en cinco años pasó a disponer de una de las fortunas más considerables de América. El director de la cinta se ha inspirado en tópicos ricos en detalles, destacando los hechos históricos y poniendo la mano en antiguos cuadernos de la época.

En la parte del trabajo histórico, el concepto de transposición literaria no es una obsesión enfermiza para el cineasta. Al fin y al cabo se centra en dos temas personales que ya exploró en el pasado. Nada más y nada menos que las relaciones filiales entre un padre y un hijo, y el problema de la ge a través del personaje de un predicador evangelista que disimula su falta de fe. Esto ya lo habíamos visto en Magnolia, pero estos temas principales en Pozos de Ambición se expresan como los problemas de búsqueda frenética de dinero. Nada se sugiere, todo es instintivo, el resultado es un guirigay de imágenes intrigantes. Las escenas de evangelización se revelan trágicamente grotescas, siempre desactivadas por la mirada de Plainview que toma la fe y la religión como subterfugios para hacer sonido ambiente. En esta mirada cohabitan la tragedia y la broma.

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Miami, dos criminales de baja estofa, Matt Kirby y Wilbur Walsh tienen un primer encuentro en una pelea contra una pandilla. Pensando que hacen un buen equipo, planean un robo a un pequeño supermercado sin planificarlo demasiado.
Por error absurdo se infiltran en los locales de la policía, en donde son alistados. Desde entonces se convertirán en dos súper policías que luchan contra el tráfico de drogas en la ciudad a la vez que les ponen las cosas muy complicadas a las bandas que se cruzan en su camino.

Un borrico gigante de buen corazón y un rubito malévolo y manipulador, el Laurel y Hardy de los puñetazos y de las tardes de verano en Telecinco de los primeros años noventa. El argumento es bastante interesante como casi todos los que protagonizó la pareja formada por Bud Spencer (alias Carlo Pedersoli, antiguo campeón de natación) y Terence Hill (alias Mario Girotti, visto en Vacanze col gangster) se metían de lleno en el rodaje de varias películas donde los golpes y la destrucción de coches eran elementos imprescindibles. Se conocieron en nuestro país durante el rodaje de “Tú perdonas, yo no…”

Dos Súper Policías responde a la fórmula divertida, casi auto-paródica que se repite una y otra vez a lo largo de su divertida filmografía (he de decir que comprendo que haya personas a las que no les hagan gracia estas películas de puñetazos pero a mí es un género que me fascina). Los ingredientes necesarios incluyen la destrucción de coches viejos (a poder ser siempre el mismo modelo), peleas en cualquier sitio y haciendo cosas impensables como utilizar a una persona como si se tratase un balón de fútbol o una bola de bolos, truhanes y bandoleras risibles y ridículos que acaban escupiendo los dientes en todas las películas. Vamos, de lo mejorcito que uno puede ponerse en casa un sábado por la noche que no tenga previsto salir. A ello hay que añadir una banda sonora que incluye música pop rock compuesta por Guido y Maurizio de Angelis, esas canciones que te taladran el cerebro durante horas (¿os acordáis de la canción que canta Bud Spencer en el coro en “Y si no, nos enfadamos“?). Pero bueno, la película que hoy nos ocupa tiene una puesta en escena soberbia (con una risible falsa conexión en la secuencia de la llegada del barco), grabada casi en su totalidad en Miami, excepto la escena de los billares que se hizo en Italia y los paseos sutiles en moto con Laura Gemser.

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El otro día tuve que volver a verla, hay ciertas películas que parecen pedirlo. Tranquilamente, en casa, en silencio, prestando atención para no perder un nuevo detalle que se escapó la última vez. El clásico es Donnie Darko, una obra maestra que con el paso del tiempo está ocupando el lugar que le corresponde. Escenas memorables, temas profundos, personajes pintorescos, un guión que te “deja loco” porque esperas otra cosa. Una lectura superficial puede hacerte pensar que Richard Kelly se metía betadine en la vena mientras veía cintas de David Lynch. Nada más lejos de la realidad.

Para el que no haya visto la película, la historia está protagonizada por un adolescente (Jake Gyllenhall, pedazo de papel que hace) convencido de que el fin del mundo tendrá lugar en veintiocho días, rodeado de personajes adultos atrapados en la mediocridad, la aparición de un conejo monstruoso llamado Frank tranquilizará a nuestro hombre y le dará el valor de desenmascarar a los moralistas norteamericanos, entre los que destaca el predicador Jim Cunningham (correctamente interpretado por Patrick Swayze). Personaje que lleva una doble vida, presenta a la sociedad una cara bondadosa mientras que en su bodega posee una colección de videos pornográficos que le compromenten.

Frank, el misterioso conejo, es una especie de guía que permitirá a Donnie descubrir los secretos del mundo hipócrita que le rodea. Algo parecido le ocurre a la profesora de literatura del instituto (Drew Barrymore, que también hizo las veces de productora), mal vista por sus compañeros docentes puesto que inculca conceptos malsanos a los alumnos y contraria a la moralidad imperante que divide el mundo en dos partes: el bien y el mal. Un concepto abstracto, maniqueo, que los desconecta completamente de la realidad y les hace perderse la bonita variedad de grises que existen en la vida.

Destaca el ambiente sombrío y deprimente de la película, subrayado por la banda sonora casi mágica compuesta por Michael Andrews, donde un adolescente tiene que enfrentarse a sus demonios, a su cólera, a su ansiedad secreta, a ese extraño conejo que le hace cometer pequeñas fechorías. Toda esa esquizofrenia imaginaria es el reflejo de un ser que quiere ser adulto pero que necesita la aceptación de una sociedad hipócrita, opresiva y basada en las conveniencias. Pero también hay una parte fantástica en la película (he de confesar que es la que me hizo descubrirla), un mundo de ciencia ficción en el que se rompen los códigos de las paradojas espacio-temporales. Muy cerca de Ghost World en sus temas (el viejo hombre enigmático sentado sobre un banco que espera a un autobús que no vendrá nunca se asemeja al persona de la abuela muerte bastante), Donnie Darko es una película caprichosa, que con aparente ligereza trata el tema del suicidio de un adolescente demasiado inteligente como para entrar en el juego de una sociedad adulta corrupta.

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Después de haber conquistado el éxito a través de la conocida saga Bourne en 2002, con The Bourne Identity, y tras la decepción de Sr. y Sra. Smith. Doug Liman vuelve de nuevo con la adaptación de una novela bastante inspirada en los héroes de la Marvel. Más o menos.

David Rice descubre con quince años que tiene la capacidad de tele-transportarse, capacidad que utiliza para robar bancos y vivir una vida muy plácida a la vez que conoce el mundo entero. Sin embargo, hay una organización secreta dispuesta dirigida por un personaje misterioso que responde al nombre de Roland y que decidió eliminar a todos los jumpers del planeta. Porque está claro que David no es el único que puede tele-transportarse.

Quien más quien menos, todo el mundo recuerda la escena con la que comienza X-Men 2, donde se veía al mutante Diablo teleportarse a través de la Casa Blanca con la finalidad de quitar la vida al presidente de los Estados Unidos. Esta secuencia demostraba las posibilidades de este recurso de cara a montar escenas de acción, y Jumper es una película entera explotándolo. Una inspiración que proviene del mundo de los cómics, tanto por el aspecto visual de la película como por los numerosos guiños al universo Marvel que hay repartidos a lo largo y ancho del metraje.

Los aficionados a las historietas con más dibujos que letras ya saben a qué atenerse, el joven David descubre que tiene súper poderes. En vez de lanzarse en una carrera por hacer el bien en el mundo se dedica a dar saltos por los bancos de todo el mundo. Muy lejos queda la ingenuidad de Spiderman o Superman, David Rice va a por la pasta y es capaz de dar la vuelta al mundo con tal de hacerse millonario. Una reacción que podríamos tener cualquiera, sobre todo con lo cara que está la vida.

Los efectos especiales son espectacularmente brutales y estoy seguro de que para rodar la película han destrozado decorados a punta de pala, de hecho, los jumps es lo mejor de la película (no es que esté dándole vueltas a la misma idea en el artículo, es que no da para mucho más). El paso de un escenario a otro es sorprendente siempre y nos preguntamos dónde va a aterrizar Hayden Christensen en esta ocasión. Un aspecto fantástico del que se benefician en especial todas las secuencias de acción, en especial la pelea de “jumpers” a través de distintos sitios del planeta. El concepto de “la diversión” que proporciona este poder es explotado por el director de la cinta, que sale bien parado gracias al uso de unos efectos especiales impecables. En ningún momento se va a explicar el fenómeno, ni como David aprende a controlar sus poderes y hacerlos evolucionar. ¿Mutación genética? Vayan ustedes a preguntárselo a Doug Liman.

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Elaborar una lista de películas de fantasía heroica (o como quieran llamarle los gafapastas que se dedican a la “taxonología”) que han aparecido a lo largo de la historia del cine es complicado. De primeras hay que descartar el género fantástico más amplio, que incluye mitología griega o cuentos de las mil y una noches, por poner un ejemplo. A nosotros, en cartelera10.com, nos gusta concentrarnos en la herencia de los relatos nórdicos, los Edda, los mismos que alimentaron a las tribus escandinavas, sajonas y celtas. Esta herencia de tradición oral se perdió a principios del siglo XIX, dando el salto a la formación de los intelectuales alemanes (como los hermanos Grimm, Wagner o Nietzsche).

Pero bueno, será mejor que me deje de rollos literato-metalúrgicos (por aquello de la chapa que os pego) y saquemos del fondo del armario a la primera película, alemana (no podía ser de otra manera) y que marcará para siempre el destino del género. Estamos hablando de Die Niebelungen. Libremente inspirada en el anillo de los Nibelungos, de Richard Wagner, esta obra de Fritz Lang va a definir los códigos visuales hipertrofiados del subgénero: belleza y gracia majestuosa, fuerza hercúlea, magia a tutiplén y actores más feos que pegar a un padre. Una película totalmente atípica y formalmente desmesurada que pasó desapercibida. El destino quiso que Die Niebelungen se cruzara con los nacionalistas alemanes (iba a escribir animales) de la época, que encontraron en la cinta el ideal de sus fantasmas místico-masturbatorios. Fue llegar el señor chiquitito con toda su banda y mala leche al poder para que automáticamente Fritz Lang decidiera exiliarse a Estados Unidos, después de rechazar una propuesta de servir en la propaganda del partido nazi. Su señora esposa, Thea Von Harbou, guionista de Die Niebelungen cerrará filas al paso militar; siendo otra mujer, Leni Riefensthal, la que ocupará el puesto de cineasta oficial del partido nazi alemán, pidiendo prestados, sin mucha vergüenza, los códigos visuales del género para utilizarlos en sus documentales propagandísticos (efectos de luces, contrapicados…)

Cincuenta millones de judíos, comunistas y maricones muertos después, las imágenes de este género denominado Fantasía Heroica se convertirán en sinónimo de todas las atrocidades cometidas en nombre de la superioridad de la raza aria. La mayoría de los países europeos, de España prefiero no hablar, rechazarán todo lo que les recuerde a Wagner y a los belicosos germanos. Sólo los países que combatieron con fuerza a la Alemania nazi (la URSS, Estados Unidos e Inglaterra) se atreverán a reinventar el género, desvistiéndolo de estos oropeles macabros.

En el frente ruso, el cineasta Alexandre Ptouchko toma las riendas del renacimiento del cine de espadazos (que es como siempre me ha gustado llamarlo) con una derivación bajo los efectos de algún alucinógeno de la historia de Simbad el marino titulada Sadko en 1953. Más adelante tendremos la ocasión de ver su filme más emblemático, Illya Mouroumetz, fresco y optimista, de una riqueza visual impresionante donde los dragones se codean con miles de soldados y caballos. En 1972, Alexandre Ptouchko adaptará a Pouchkine con una mirada a la mitología finlandesa .

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Sí, ya sabemos que “La joven del agua” no es una película reciente, ni mucho menos. El hecho de traerla nuevamente a cartelera10.com es para resarcirla de las terribles críticas que sufrió en su momento. Tratada como una basura sin interés, se hace necesario dar un repaso a la película más desesperada, orgánica e imperfecta de Shyamalan; probablemente la más bonita que nunca ha hecho. En su aparición en la cartelera, la cinta hizo reír a la mayor parte de espectadores, que vieron en ella una comedia difícil de entender. Sin embargo, nunca hay que descuidar a la otra parte de las salas de cine, la zona silenciosa, hundida en la oscuridad, con ganas de llorar ante la caducidad de un joven director de origen indio que se niega a convertirse en “dios” (el cameo tan controvertido de El Bosque) para incorporarse junto al resto de los mortales.

En su estructura superficial, la historia se presenta como un cuento de esos que uno lee antes de ir a dormir: el encargado de una residencia que responde al nombre de The Cove, descubre, muy a pesar suyo, a una princesa procedente de un reino acuático. Y con ella toda una comunidad de personas diferentes. En la categoría de lo que podríamos denominar como un conflicto cinéfilo que existe desde la noche de los tiempos, el señor Night Shyamalan se plantea una pregunta muy interesante a lo largo de la película. Bajo la influencia de Spielberg e Hitchcock. El fenómeno protagonizado por el Sexto Sentido, cuya principal particularidad consistía en la necesidad de tener que verla dos veces para localizar las “pistas escondidas”, como la escena de Bruce Willis y su mujer cenando junto con la traicionera utilización del flashback fueron motivos suficientes para que el cineasta se especializara en un tipo de registro muy concreto: figuras fantásticas o provenientes de un mundo diferente al nuestro, los fantasmas en el Sexto Sentido, los superhéroes en el Protegido, los hombres lobo en el Bosque y las ninfas en La joven del agua. En el Protegido, asistimos a una explosión de talento monstruosa, posiblemente se trate de lo mejor del autor. Tras el accidente ferroviario grabado por una cámara de televisión retrata al americano lambda (Bruce Willis, brillante en su papel de padre desfasado que se convierte en amo de su destino). En Señales, Shyamalan sigue experimentando con cosas diferentes. Se concede a sí mismo un cameo mucho más largo de lo normal, trata de temas míticos, investigación de fenómenos extraños, cuanta cómo un viudo encuentra la fe perdida tras la desaparición de su mujer y lucha contra sus propios traumas a la vez que contra los extraterrestres. En el Bosque, nos encontramos con una película un tanto enferma utilizando un argumento a través del que cuenta la más imposible historia de amor tras la que se oculta una parábola sobre la ambigüedad de las buenas intenciones

La joven del agua es probablemente la película más incomprendida de estos últimos cinco años, contribuye a trastornar la concepción del cine que hace Shyamalan a la vez que anima a sus detractores a desprestigiarlos. Objeto muy teórico pero paradójicamente instintivo y en consecuencia nunca aplastado por la solemnidad, La joven del agua juega a trastornar los prejuicios, profundiza en nuestras inquietudes bajo la apariencia de un entretenimiento ingenuo, llevándonos a relativizar lo que pensamos del cineasta. Lo primero que hay que tener en cuenta es que la película se realizó en el momento en que Shyamalan salía de una depresión (Disney se había negado a producir su proyecto) que había sido recuperado por la Warner, la distribuidora que no sabe cómo vender películas.

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