La muerte de Heath Ledger ha provocado la postergación del rodaje de “Blue Valentine”, ya que sus responsables desean otorgar el tiempo necesario de recuperación a su protagonista, Michelle Williams, ex-pareja del fallecido actor australiano y madre de su hija Matilda.

Según publica People, la película se detendrá hasta que esté preparada Williams: “La producción de la cinta está en pleno proceso de reorganizarse alrededor de ella“. La misma fuente indicó que los responsables de esta historia sobre un matrimonio, está armada a la medida de la actriz y de su compañero Ryan Gosling, por lo cual se ha preferido la espera a avanzar con el proyecto fichando a otra actriz o forzar la participación de Williams cuando aún no está psicológicamente recuperada del golpe que ha significado la repentina muerte de Ledger.

A Williams, que se encontraba rodando en Suecia el drama “Mammoth” con Gael García Bernal a la hora de conocer la noticia, se la ha relacionado románticamente con Gosling, con quien se la vio paseando por Nueva York antes de la Navidad. El actor de “Half Nelson”, separado de Rachel McAdams, fue uno de los que recordó a Ledger en la ceremonia del Sindicato de Actores de Estados Unidos (SAG) del pasado domingo, llevando un lazo negro que expresaba tanto dolor como respeto por la desaparición de un compañero de generación.

“Blue Valentine” mostrará el contraste entre el pasado feliz de una pareja, y el problemático presente que viven sus integrantes ya convertidos en un matrimonio con una hija.

Este jueves se emite la premiere de la cuarta temporada de Perdidos, claro que en Estados Unidos. Se trata de una sesión de 2 horas de duración que podrán disfrutar la gente del $ en la ABC. Los pobres españolitos, evidentemente, tendrán que esperar.

Bueno, pues hay gente, insensatos, que aun no se han chupado las tres primeras temporadas, y si por algún casual se quieren enganchar a la serie para cuando empiece dentro de dos días sólo tienen dos opciones.

La primera es a modo de fuerza bruta. Nada de ir a trabajar, ni comer, ni al baño. A meterse entre pecho y espalda los DVDs de las tres primeras temporadas. Lo malo de esta opción es que si por algún casual consigues no morir en el intento, a lo mejor el jueves te quedas sin fuerzas y te pierdes la premiere.

La otra opción, sin embargo, es más eficiente, aunque con menos encanto y menos valor para los fans. Se trata de ver el recopilatorio de las tres primeras temporadas. Un vídeo de algo más de 8 minutos repleto de spoilers. Una opción un poco drástica y dirigida a atraer a aquellos que aun no se han atrevido con la serie y que tampoco les importa mucho perderse las tres primeras temporadas.

Así que si aun no te has metido en el rollo este de la isla con los “otros” y tal, y tampoco te apetece chuparte toda la serie te puedes introducir con este recopilatorio, por supuesto en inglés.

Fuente: The Underwire

La película tendrá como productor al neozelandés Peter Jackson, que renunció a dirigirla tras enfrentarse al estudio New Line Cinema por los beneficios de la trilogía de “El señor de los anillos“.

Con el retorno de Jackson, aunque sólo como productor, “El Hobbit” volvió a ponerse en marcha tras un período de incertidumbre. Tras confirmarse que la obra de J.R.R. Tolkien tendrá su adaptación junto a una secuela, la búsqueda de un director idóneo para un proyecto de semejante envergadura condujo a Sam Raimi, el director de “Spider-Man”, quien ya había manifestado su interés en participar. Pero finalmente, Del Toro fue el que se impuso en favoritismo, por el buen antecedente que representa “El laberinto del fauno“, y ha iniciado conversaciones para realizar las dos películas, según publica The Hollywood Reporter. Al igual que Jackson, Del Toro ha demostrado moverse con talento por mundos fantásticos con universos oscuros, sabiendo cómo dotar de profundidad a sus personajes.

El rodaje de las dos películas, que se rodarán simultáneamente al igual que la trilogía de “El señor de los anillos”, comenzaría en 2009, para estrenar el primer largometraje en 2010 y el siguiente un año después. Si Del Toro acepta el encargo, debería posponer diversos proyectos en los que se encuentra trabajando, como una adaptación de “En las montañas de la locura”, de H.P. Lovecraft; “Tarzán”, y la versión para cine de la serie británica “The Champions“.

“El Hobbit” se centra en el viaje que emprende Bilbo Baggins, un hobbit que vive tranquilamente en la comarca, junto al mago Gandalf, quien le lleva con un grupo de enanos a una expedición llena de aventuras para recobrar el tesoro de Thor que ha sido robado por el dragón Smaug. Así se convierte en un aventurero y en uno de sus viajes se topará con el anillo, que luego hereda su sobrino Frodo.

Fuente: The Hollywood Reporter

Difundida por la NBC, y a falta de verdaderos programas de televisión capaces de imponerse en la parrilla televisiva, la primera temporada de Heroes, la serie dirigida por Tim Kring se convirtió rápidamente en un fenómeno mundial. Éxito debido, en buena parte, a sus canales de distribución (era una de las primeras series que se difundían a nivel planetario, gracias a la “fuga” del episodio piloto que tan fácilmente encontrábamos en Internet) y a su tratamiento de los superhéroes (tratados de forma realista). Con gran presupuesto y un ejército de buenos guionistas a su servicio, la serie se convertía en éxito seguro.

Interesándose por los problemas psicológicos resultantes de las nuevas capacidades de sus personajes que se ven abocados a una sempiterna guerra interior. Al fin y al cabo, una buena metáfora de la sociedad contemporánea: símbolo de la diferencia, necesidad de integración y también envidia de sobrepasarse a veces y romper las barreras de una vida física demasiado “normal”. El realismo en el tratamiento de los personajes y los efectos especiales ayudaban a convertir a Heroes en una serie de televisión que nadie debía perderse. Y digo nadie, porque el casting internacional contaba con asiáticos, indios, americanos, hispanos, haitianos… Y todo esto, haciendo estallar las normas no escritas sobre presupuestos y calidad visual que tienen las series entre sí. Si a ello le añadimos un hype bien pensado, Heroes ha impuesto una mitología inmersiva y totalmente identificable de la que han surgido personajes como el japonés Hiro Nakamura (Masi Oka), capaz de viajar en el tiempo y el espacio.

El único defecto que se le puede achacar es la resolución tan dantesca que tuvimos que asumir de la primera temporada. Un defecto, que esperamos que se arregle en esta segunda sesión. ¿Había muerto Peter en la explosión final? ¿Qué pasa con su hermano? ¿Qué hace Hiro en el Japón medieval? ¿Cuándo va a ser Nikki un personaje realmente importante? Obviamente, los nuevos episodios responden a todas estas preguntas y a alguna más. Estamos de suerte, tenemos once nuevos episodios con los que disfrutar delante de la tele.

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La película que hoy os regalamos en Cartelera10.com describe el proceso de recuperación de empresas en Argentina por parte de los trabajadores. Una película de los canadienses Avi Lewis y Naomi Klein. Con voluntad “subversiva” y “de emocionar” gracias a “una historia humana” en los antípodas del reality show, Klein y Lewis pretenden que La toma dé “un giro de 180 grados al debate sobre la globalización“. ¿Cómo? “Presentando alternativas” a una problemática, la de la fuga de capitales y la deslocalización de empresas, capaz de “arrasar un país fronterizo entre el primer y el tercer mundo como Argentina pero que amenaza por igual a Barcelona, Toronto y Caracas“.

Lewis admite que se han ocupado fábricas en otros lugares y momentos de la historia, pero destaca del caso argentino “un énfasis nuevo en la democracia de base asamblearia” y el ejemplo de una lucha obrera que sustituye “la tradición de la huelga” por la “insistencia en el derecho y la necesidad de trabajar con dignidad“. Klein puntualiza: “Si en los años 70 la ocupación de fábricas fue fruto de una ideología que iba de la cabeza a los pies, hoy se ha invertido el proceso y la política nace y crece en acciones como la de ocupar no sólo una fábrica, sino una casa, un centro social o –tomados de internet– un programa de software libre o una canción“.

Realizador talentoso, después de 3 cortometrajes acojonantes, llenos de conceptos extrañamente chuscos y de una puesta en escena brillante. Los abandonados , la última película de Nacho Cerdá es la penúltima cinta de una ola de realizadores españoles con una visión sobre el cine de terror muy particular. Realizadores muy influyentes que están consiguiendo hacer versiones made in Usa con el dinerito del tío Sam. Un pequeño paso para la industria cinematográfica española, pero un gran paso para estos cracks del cine.

Nacido en 1965, Alex del Iglesia siempre se fue apasionado por los tebeos, en uno de sus primeros cortometrajes aparecía un niño vestido de Batman. Nada de asombroso tiene que para que su primer película, Acción Mutante, ponga en escena mutantes degenerados embarcándose en un giro que va a transferir al Reglamento de Cuentas intergaláctico. La película presenta otra marca de la casa: un humor sádico especialmente ácido. Un humor que impregnará a su segunda película, el Día de la Bestia, cinta con la que conseguirá ganar el corazón de todos los amantes del cine de terror de nuestro país. Narrar las aventuras de un sacerdote persuadido de que el mejor medio de derrotar al diablo es cometer el mayor número de pecados posible, empujará a una persona por las escaleras, escuchará heavy metal (la música del demonio) y secuestrará finalmente a un telepredicador con el fin de impedir el nacimiento del anticristo, previsto para ese mismo día. Comedia desternillante, el día de la bestia ocupa un lugar importante en la filmografía fantástica de la piel de toro. Éxito de crítica y público, el realizador coqueteará con otros géneros (el road hardcore titulado Perdita Durango, la comedia perversa de Crimen Ferpecto o La Comunidad e incluso el western en 800 balas). He de decir que Los Crímenes de Oxford no me ha gustado demasiado, no me ha parecido una película de Alex.

Raros son los realizadores que, con tan solo dos películas, llegan a convertirse en directores de culto. Alejandro Aménabar es de esos. Gracias a Tesis (un polar inteligente que tiene los snuff-movies como tema y que tampoco era para tanto) y más concretamente gracias a Abre los ojos, película mezcla de sueño y anticipación sobrevolado de esas que acaban jodiendo la pava al espectador. El realizador se hizo rápidamente un nombre y vio como se le abrían las puertas de Hollywood, a cambio de que Cameron Crowe destrozara su película haciendo una (per)versión protagonizada por Tom Cruise que respondía al título de Vanilla Sky. Una nueva versión que le permitió realizar su propio proyecto, una historia de fantasmas protagonizada por Nicole Kidman y Christopher Eccleston. Por respeto a aquéllos que no la hayan visto (¿queda alguien en España?) no revelaremos el final y nos vamos a conformar con destacar la maestría narrativa y visual con la que el realizador coloca en el abismo a sus personajes. Permaneciendo en el tema de la muerte, se interesará finalmente a través de Mar Aldentro por la vida de Ramon Sanpedro, un antiguo marinero en cuadrapléjico que luchó por su derecho a la eutanasia.

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Otilia y Gabita comparten habitación en una residencia de estudiantes. Ambas van a la universidad en una pequeña ciudad de Rumanía durante los últimos días del comunismo. Otilia alquila una habitación en un hotel barato. Han quedado con un tal Sr. Bebe por la tarde. Gabita está embarazada, el aborto es ilegal y ninguna de las dos ha pasado por algo parecido antes.

4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS forma parte de un proyecto más amplio titulado Relatos de la edad de oro, una historia subjetiva del comunismo en Rumanía contada mediante su leyenda urbana. El objetivo del proyecto es hablar de aquel periodo sin hacer referencias directas al comunismo, contando diferentes historias que enfoquen opciones personales en una era de infortunio en la que la gente tuvo que vivir como si fueran tiempos normales.

4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS es la primera entrega de la serie.

Desde pequeño me ha fascinado el cine de terror, ciencia ficción, los monstruos… Y siempre me preguntaba que haría yo en caso de verme metido en una cosa de estas, me volvería loco, sería como los figurantes que mueren en el primer minuto o respondería a la desesperada convirtiéndome en el salvador del mundo. Lo bueno de Cloverfield es que lo vemos en un sillón muy cómodo, con refresco y palomitas.

El protagonista de nuestra historia debe viajar a Japón a ocupar un importante puesto de trabajo en la empresa para la que trabaja. En plena fiesta, en plena crisis sobre qué pinta un americano en Japón, un violento choque sacude toda la isla de Manhattan. Asustado el grupo se agazapa para ser testigo de una increíble explosión que destruye numerosos edificios. Todos piensan en un ataque terrorista, no son capaces de imaginar que una criatura gigante de origen desconocido ha salido de su agujero para jugar al teto con la estatua de la libertad.

Deseoso de crear una versión americana totalmente original que hiciera sombra al genuino Godzilla, tras una visita al país del sol naciente, el productor J. J. Abrams (conocido en el mundo entero por haber puesto los dineros necesarios para hacer realidad series de la talla de Perdidos y Alias), se puso manos a la obra durante el mes de febrero con una nueva película con monstruo, pero con un concepto particular e inédito hasta la fecha. Contrariamente a los clásicos King Kong y Godzilla, la cámara se centra en lo mal que lo pasan los “héroes humanos” que no hacen más que “de sufrir”. Con un hype impresionante desde el mes de julio, las imágenes y rumores que se filtraban no nos daban información sobre el bicho ni sobre la dirección que estaba tomando el proyecto.

La película comienza con una advertencia del gobierno americano que pone en pantalla imágenes de una cinta DV encontrada en un lugar devastado anteriormente conocido como Central Park. Un inicio apocalíptico e interesante que se corta por la ternura de los primeros planos de la fiesta de despedida, de repente, el director de Cloverfield decide que ha llegado el momento de dejarle la cámara al manco. De lo contrario es inexplicable el frenesí de las imágenes. Una vez que pasamos la experiencia de un montaje errático y vertiginoso, el cataclismo comienza y el mundo entero se sume en una catástrofe. No voy a seguir contando la película porque ya tengo bastante fama de reventar libros como para empezar con las películas.

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United Artists, el estudio fundado por Charles Chaplin que hoy día dirige Tom Cruise junto a su socia Paula Wagner, adquirió durante el Festival de Cine de Sundance, los derechos para realizar el remake en inglés de Los cronocrímenes, debut en el largometraje del español Nacho Vigalondo.

ICM, empresa que representa a Vigalondo, alcanzó un acuerdo con United Artists, para que el estudio realice una versión en inglés de Los cronocrímenes, la cual ya tiene su estreno confirmado en Estados Unidos a través de Magnolia Pictures. Unos meses atrás había comenzado el diálogo con otro estudio para su versión hollywoodiense, pero fue finalmente la compañía de Cruise la que se quedó con los derechos para el remake de la cinta protagonizada por Karra Elejalde, que fusiona fantástico y terror, para narrar la historia de un hombre que vuelve a su pasado y se encuentra consigo mismo.

Steve Zaillian, director de Todos los hombres del rey y guionista de La lista de Schindler, Gangs of New York y American Gangster, se encargará de la producción de la película americana.

Mientras tanto, Vigalondo, guionista y director de Los cronocrímenes, sigue esperando que en España sea adquirida la cinta para su estreno comercial. Seguramente el interés de Cruise por el film acelerará ese proceso, reafirmando las palabras de Elejalde al momento de comprarse la película para su lanzamiento en Estados Unidos: “Estamos condenados a viajar a lejanas tierras para poder ser profetas en la nuestra“.

Después de haber acabado con brío la carrera de campeón mundial de los pesos pesados con la que había alcanzado la gloria; Stallone vuelve a uno de sus papeles predilectos, el controvertido objeto de culto responde al nombre de John Rambo. Y lo hace veinte años después de que nuestros ojos disfrutaran con tal película. Un personaje torturado por su propia violencia, traumatizado por la guerra, tanto que se podría temer que el protagonista/director legitimara una vez más la violencia de la que ha hecho gala a lo largo de su filmografía. Afortunadamente, el bueno de Sylvester regresa con un halo lúcido, ofreciendo una nueva dimensión a su papel de veterano, algo que todo el mundo esperaba (tanto fans como detractores) en una tormenta de ultraviolencia, sangre y sadismo como pocas veces hemos vuelto a ver desde los tiempos del joven boina verde.

Y es que, una de las cosas que temen algunos espectadores poco convencidos de visionar la cuarta entrega del soldado legendario es el sadismo que tiene la película. Stallone pese a todo había anunciado sus intenciones desde el momento de la preproducción, diciendo que la aventura se desarrollaría en el país más hostil del mundo. La acción se sitúa en la frontera birmana, zona de conflicto en la que la armada hace reinar el terror. Las poblaciones locales son avasalladas. A esta cueva de los horreres llegará un grupo de misioneros con la idea llevar medicamentos y diverso material. Su guía en la excursión será Rambo, reconvertido en cazador de serpientes cuya obsesión por un posible conflicto armado hace reaparecer en él los instintos que hasta el momento había intentado ocultar en su nueva vida. En ese sentido, la película es fácil de entender y por mucho que vayas al gimnasio seguro que coges la idea: unas imágenes de archivo sobre la guerra bajo la apariencia de telediario será el detonante que ponga en marcha la máquina de matar.

Mientras que los enemigos de las anteriores cintas eran reencarnaciones estereotipadas de basuras humanas que servían para salvaguardar la violencia del patriótico John Rambo, en esta ocasión, Stallone describe el horror de la guerra en una avalancha de secuencias en las que percibimos ejecuciones gratuitas, violaciones de niños, torturas. Es justo en ese momento cuando el espectador inteligente se dará cuenta de que el espectáculo que ha venido a ver no es tan convencional como esperaba. La situación en la que quedó mi pobre cerebro tras ver algunas secuencias estaba entre la risa por el gran guiñol gore y la aversión ante momentos ciertamente insoportables (no creo que fuera necesario ver ejecuciones de chavales, ni a gente arder viva…). Y eso es precisamente lo que hace grande a John Rambo como película, que Stallone nos lleva a reflexionar sobre la implicación del espectador como consumidor de violencia gratuita. Justo en ese momento, es capaz de recordarnos la verdadera naturaleza de su personaje y poner en pantalla una verdad que los fans esperábamos mientras que los críticos utilizaban en su contra.

Una cuestión subsistía en cuanto a las motivaciones reales de este personaje totalmente enloquecido por sus actos cometidos en anteriores guerras: ¿mientras que éste quería ser a víctima (legítimo) de conflictos que él nunca había deseado, mientras que el trauma causado por los malos tratos, qué es lo que podía hacer volver a sumergirse a este personaje en el caos? ¿Aparte del hecho de ayudar a sus antiguos amigos veteranos, qué buenas razones podían llevar a un hombre destruido a volver al origen de su destrucción perdiendo los últimos trozos de humanidad que le quedan en terribles confrontaciones? A pesar de la pasividad sorprendente del personaje durante la mayor parte del metraje, al final descubriremos sus motivos.

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