Esta es una película de un director iraní importantísimo y al cual (lamentablemente, y por suerte, al mismo tiempo) he tenido el gusto (por suerte) de conocer receintemente (lamentablemente).

Del año 1990 hablamos de una película que ha sido conocida en inglés como “Hamoun”, que significa “Desierto”. No es este, como da a confusión el nombre de su protagonista (quien es el centro de la historia): Hamid, interpretado de forma muy correcta por Khosro Shakibai. Esta es una película “subjetiva” centrada en las vivencias y pensamientos de un protagonista más bien intelectual que vive una crisis de mitad de la vida mientras su esposa trata de divorciarse de él.

¿Drama o comedia? Es difícil decirlo; aunque como “Reyes y Reina” o “Melinda y Melinda” tiene de ambos. Lo que ninguna de estás otras tenía es ni el nivel de humor (que, es distinto, ni mejor ni peor) ni ese surrealismo satíresco y simbólico dado tanto por los sueños del protagonista (que vemos y vivimos) como por su continuo fantasear.

Pero antes hablemos un poco de su director: Dariush Mehrjui. Este señor que estudió filosofía y cine (lo cual se nota en esta película) en la UCLA (Universidad de California) nació en 1939 en Tehran, la capital de Iran. Se considera que el cine iraní moderno comenzó con él. En 1968 hizo una película que era una sátira al personaje de James Bond. Esta comercialmente no funcionó. Pero, en 1969 hizo “La Vaca” que fue internacionalmente aclamada.

Es relevante decir que la crítica iraní la tenía como la mejor película de la historia del país; y que, en el año 1997 otra la sacó del puesto. ¿Se imaginan cuál? Pues, la que nos ocupa.
Uno de los profesores de Dariush Mehrjui, entre otros, fue Renoir. Y es plausible la pregunta ¿No hay ciertos elementos en común aquí con “Las Reglas del Juego“?

Los personajes que vienen y van (aunque aquí se centre en uno) las peripecias del amor, lo dramático mezclado con la comedia, lo jocoso y lo absurdo. Una burla que sospechamos hacia “las elites” de los respectivos países. Parecerían ser todos estos elementos que podríamos considerar. De cualquier forma, no se me malentienda; creo que habiendo pasado unas horas del visionado y habiendo reflexionado un poco tendremos en relación a la película ciertas sensaciones particulares.

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“Juego Macabro” fue una de las últimas producciones cenicientas de la historia del cine: una pequeña película hecha con muy pocos recursos, que además de ser un inmenso éxito de taquilla, tuvo la capacidad de darle un respiro al malogrado género del horror, que en los últimos años no encontró sus mejores exponentes.

La película está basada en las pesadillas que James Wan y Leigh Whannell tenían de niños, las que seguramente sufrían por su inmensa afición al maestro del terror, Dario Argento. De la historia creada por ambos, Whannell escribiría el guión que más tarde dirigiría su amigo de la infancia, y en el que él actuaría.

Una vez el libreto estuvo finalizado, entre Whannell y Wan se lo dieron a su agente, quien inmediatamente lo envió a Los Ángeles, donde contactaron con un productor, quien les dijo que hicieran un cortometraje para ser enviado a los estudios. Ellos lo hicieron, y sólo fue cuestión de tiempo para que Lions Gate Films se hiciera con los derechos y financiara la producción.

La película es una historia sumamente inteligente, con la capacidad de estremecer a cualquier espectador. La premisa básica (no sé para que la repito, estoy seguro que todo el mundo se acuerda) es un asesino en serie que logra, mediante variados juegos y trampas, que sean sus víctimas quienes al final terminen matándose entre ellos mismos.

Encerrados y amarrados en una especie de baño junto a un cadáver, Adam (Whannell) y el Dr. Lawrence Gordon (Cary Elwis) deben tratar de descifrar quién los secuestro y llevó hasta ese recóndito lugar. Una vez adentro, ambos descubren que están allí en una especie de misión, donde tendrán que cometer un asesinato entre ellos para sobrevivir y además, deberán cortarse sus pies por ellos mismos si quieren poder salir de allí.

Entre ambos empezarán a descifrar que clase de persona pudo haberles hecho esto, y comienzan a especular sobre los posibles candidatos. De esa manera, la historia se va completando por medio de flashbacks que van descifrando alguno de los interrogantes, pero que a la vez, de manera muy bien pensada, van generando unos nuevos. A medida que la historia se va desarrollando se va complicando cada vez más, y se nos va mostrando el plan tan bien desarrollado que el asesino tiene para acometer su crimen.

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Un comando formado exclusivamente por mujeres oculta en un terreno el oro producto de un robo, pero el botín es descubierto y con él se construye un complejo dedicado al juego y la prostitución, llamado Ciudad del Pecado. Las mercenarias deciden entonces aliarse con su antiguo rival, “el comandante”, para apoderarse de un enorme y valiosísimo diamante conocido como Estrella de Oriente. Pero él las traiciona una vez más y huye con el mapa de la joya, que esconde detrás de un cuadro en la Ciudad del Pecado. Las chicas del Comando Rosa encuentran el mapa y se unen a las fuerzas de la guerrilla para defender la ciudad frente al ejército que acaudilla “el comandante”.

La fuerza del comando rosa (1982) fue concebida como una especie de secuela de otra película que Lawrence Full dirigió aquel mismo año y que se titulaba Golden queen commando (El comando de la reina dorada, también conocida como Comando de amazonas). En aquella ocasión se trataba de siete mujeres a la caza de un tesoro que emulaban a los héroes de Los siete magníficos defendiendo un lugar frente a una nutrida banda de malvados. Sus principales protagonistas —el trío formado por Venus Lin (Brigitte Lin en sus comienzos), Elsa Yeung y Sally Yeh (The killer)— repitieron suerte en esta extraña película de acción que mezcla sin ningún rubor géneros tan diversos como el western, el bélico, las aventuras y las artes marciales. Brigitte Lin y Elsa Yeung volverían a formar pareja en Phoenix, el truhán (Phoenix the raider, 1985), un subproducto de acción “escrito” por el inefable Godfrey Ho.

La influencia del western italiano se hace patente en la descarada inclusión de algunos fragmentos musicales, en el planteamiento de numerosas escenas y en varios de los personajes (esa Susie “Dinamita” que imita a Clint Eastwood arrojando imperturbable cartuchos de dinamita contra sus enemigos, o ese “hombre del corazón roto” que se gana la vida como cazador de recompensas y viste enteramente de negro, como el siniestro “enterrador” que hizo famoso a Lee Van Cleef en La muerte tenía un precio). También está presente el western americano, como en la secuencia del asalto final a la Ciudad del Pecado, que se basa torpemente en El Álamo hasta el punto de que una de las protagonistas muere como Richard Widmark en la famosa película de John Wayne.

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Es bien sabido que el cine es un arte dependiente de una industria, visto desde la perspectiva financiera, pero también desde la de los avances tecnológicos. Teniendo en cuenta los inmensos adelantos que día a día se ven en ese campo, es de esperarse que el modo de producción de las películas se vea afectado por la aplicación de más y mejores herramientas, contrayendo con esto consecuencias artísticas en la película final.

En la escuela de cine de diez minutos de Robert Rodriguez, el director comenta cómo todos los amantes del cine somos directores, lo que nos falta es el conocimiento técnico para ver hecho realidad el film. En muchas películas de hoy en día, pareciera que hay muchas personas con avanzados conocimientos técnicos, pero muy pocos cinematográficos. Sin embargo, cuando nos encontramos con un artista que al mismo tiempo tiene la capacidad de usar las herramientas técnologicas para contar mejor su historia, generalmente nos encontramos con un film profundamente interesante, como por ejemplo la “Sin City” de Rodriguez.

Otro caso de demostración de un excelente uso de la tecnología junto a una historia cinematográfica que contar, se vio cuando Michael Mann y Dion Beebe le dieron un nuevo establecimiento al formato digital de Alta Definición con la película “Collateral“.

La historia se centra en el encuentro casual que Vincent (Tom Cruise) tiene con el taxista Max (Jamie Foxx), en una noche de Los Ángeles. Vincent es un asesino a sueldo que tiene que matar a un grupo de testigos que declararán en contra de un narcotraficante a punto de ser enjuiciado y encarcelado. Para lograr eso, necesita de Max, quien lo debe llevar por toda la ciudad que tan bien conoce, localizando a cada uno de las futuras víctimas.

La idea de Vincent es ir asesinando a cada uno de ellos sin que Max se dé cuenta, sin embargo en el primer homicidio el plan se derrumba, al taxista darse cuenta que el pasajero que lleva en su auto es un criminal y la primera parada que hicieron fue para eliminar a alguien. Desde allí para adelante un intenso drama se irá desarrollando, al Max tratar de oponerse a ayudar a Vincent, mientras éste debe terminar su trabajo al costo que sea, incluso obligando a Max a que le colabore.

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Jeffrey es un asesino profesional. En uno de sus trabajos hiere accidentalmente a una joven y bella cantante y la deja ciega. Jeffrey se siente culpable y acaba enamorándose de Jenny, la cantante. Su profesión le asquea y decide abandonarla, pero antes deberá cumplir un último encargo para costear una delicada operación de córnea que puede devolverle la vista a Jenny. Jeffrey ejecuta con éxito su misión, pero tiene problemas para cobrar su dinero. Además, el inspector Lee le sigue los pasos y no piensa dejarle escapar. Sin embargo, cada nuevo encuentro entre estos dos hombres, que se mueven en lados opuestos de la ley, despierta una mutua admiración y acrecienta su amistad.

The killer es, con toda seguridad, la película más conocida de cuantas ha dirigido John Woo en Hong Kong. Se dice que es la “biblia cinematográfica” de Tarantino, posiblemente el filme que más le ha impresionado de todos los producidos en la ex colonia británica y uno de los que más han influido en su estilo. Casi puede afirmarse que a Woo se le empieza a conocer en occidente con The killer, lo que hace unos años indujo a pensar que, si no la primera, era una de las primeras obras que componen su filmografía. Nada más alejado de la realidad: cuando John Woo dirigió la que muchos consideran su obra maestra, ya llevaba casi veinte años en el oficio y diecisiete películas como director, muchas de ellas de artes marciales, sin olvidar Un mañana mejor (A better tomorrow, 1986) y su secuela o Just heroes, con Danny Lee.

Si el cine de Quentin Tarantino recibe influencias, según él mismo confiesa, del producido en Hong Kong, tampoco John Woo niega la huella que en sus años de juventud le dejaron importantes cineastas occidentales, como Martin Scorsese y Sam Peckinpah (con el que comparte su gusto por la ralentización de las imágenes violentas, como recurso de gran fuerza expresiva y eficaz elemento de realce estético). Pero Woo declaró en una entrevista concedida a propósito del rodaje de Broken arrow, su segunda película americana, que su gran ídolo siempre ha sido el Alain Delon de los filmes de Jean-Pierre Melville, obras maestras del género negro francés. Y, en efecto, el personaje de Chow Yun Fat en The killer debe mucho al encarnado por Delon en El silencio de un hombre. Ambos son profesionales del crimen impecables en su trabajo, fríos como témpanos de hielo y peligrosos como fieras acosadas. A ninguno de ellos le gusta lo que hace, más bien lo odian; y de alguna manera, en su arrepentimiento inconfesado, los dos buscan la redención a través de la muerte o el sacrificio.

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Cuando vi los posters y los trailers de “Escuela de Rock“, me imaginé que otra de esas películas tontas de Hollywood habría de llegar a las pantallas de cine. Y la verdad fue que no me equivoqué, pero la diferencia en esta ocasión fue que la película tonta me fascinó y cautivó por completo.

Sin duda alguna que mirar una producción de este tipo con ojos críticos tendría la consecuencia de que no aguantaríamos hasta el final de la misma. Pero cuando la imaginación y los sentimientos priman sobre todo lo racional que uno pueda ser, la experiencia de “Escuela de Rock” es una muy linda y entretenida.

La historia es la de una fracasado rockero quien todo su gremio lo ha rechazado, principalmente por su amor sincero y nada comercial frente al género musical que más lo desvela. Sin trabajo y con necesidades financieras como todos, Dewey Finn (Jack Black) acepta el puesto de profesor substituto en una prestigiosa escuela primaria, pero haciéndose pasar por su amigo suyo llamado Ned Schneebly (Mark White). En el colegio descubre que los niños a quienes les da clase son unos muy buenos músicos, por lo que decide formar una banda de rock con ellos.
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Una película de Steven Seagal. Acción, explosiones, golpes, una chica linda (pero sin abusar), un mensaje más o menos ecologista, un par de persecuciones automovilísticas, justicia a mano propia, artes marciales y bueno… en fin: Steven Seagal.
Del año 1997 está película tendrá por ahí a Harry Dean Stanton en un papel secundario. Junto a Marg Helgenberger y Kris Kristofferson.

En esta película Steven Seagal es Jack Taggert. Un integrante de la Agencia Federal de Protección Ambiental (EPA) en Estados Unidos. Después de enterarse que un amigo a muerto (que aparece en un flashback introductorio y que parece más una excusa para el despegue de la trama) tenemos a Seagal sobrevolando en una avioneta los hermosos paisajes naturales de las hermosas colinas Apalaches, al sudeste de Kentucky.

Con una fotografía paisajística (hermosa y resaltada por la excelente calidad visual) veremos como aterriza en un pueblo donde irá a cumplir el rol que le fue asignado a su amigo muerto (o sea que, desde el principio, ya es medio personal el tema).

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Me cuesta mucho entender cómo es posible que una película de estas pueda llegar a ser vendida a una distribuidora, y luego exhibida en algún lugar del mundo. Frente a la actual crítica sobre los malos guionistas y sus pobres ideas, vale decir que hay también gran parte de culpa en los productores, quienes son en últimas quienes deciden qué proyectos llevar a cabo o no, así como de las personas que financian, compran y exhiben las mismas.

A pesar de que había leído muchas críticas malas sobre esta película, y de que todo el mundo me decía que no fuera a verla, la terquedad en mí pudo más y decidí darle una oportunidad. Y es que Joshua me parecía un film muy inteligente, con una trama de fondo muy interesante: un niño de diez años que odia a sus padres, la que tenía toda la potencialidad para ser explotado de manera muy profunda.

No obstante, le doy la razón a todos aquellos que creen que esta es una de las peores películas en muchas años, con una de las historias más inconcebibles, no por lo espectacular o extraordinario de la misma, sino por lo inesperado que es que algo así de malo hubiera llegado al cine.

La historia es absolutamente incoherente, con muchos fallos y cosas gratuitas, que llegan al final a una conclusión totalmente inesperada, no porque nos tome de sorpresa, sino porque sencillamente es algo totalmente inconexo lo que sucede al final, frente a todo lo que se nos había mostrado antes.

La película empieza con Brad Cairn (Sam Rockwell) viendo a su hijo Joshua (Jacob Kogan) jugar un partido de futbol, en el que el niño claramente se encuentra aburrido, no queriendo ser parte del mismo. En pleno desarrollo del encuentro, el padre del niño recibe una llamada urgente y agarrando a su hijo lo lleva al hospital, donde su esposa Abby (Vera Farmiga) dio a luz a su segundo hijo.

¿Por qué no estaba el padre con su esposa acompañándola en el parto, en vez de estar en un partido de futbol con su hijo? No es que fuera precisamente la final de la Champions League, y por otro lado, su hijo ni quería ir, entonces por qué la necesidad de llevar a su hijo al partido en vez de estar junto a su esposa en el hospital. Cuando una película tiene un arranque que parece tan ilógico y poco fundamentado, lo que uno espera es ver algo maravilloso en adelante que le explique el por qué de semejantes fallas. Pues no, lo que pasa de ahora en adelante es peor.

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Esta película me ha dejado anonadado. Puede que suene feo lo que voy a decir/escribir pero tiendo a pensar que en comparación a un público bastante amplio me gusta encontrarme con películas que partan desde el ser propuestas diferentes. Que “abran” un cierto campo en la visión del mundo, de una realidad; que demuestren una sensibilidad particular o tengan algo que se plantea como necesario contar/transmitir/recordad/registrar.

Me encanta encontrarme con propuestas que se salgan de lo común; con directores o personas con una visión personal del mundo que hablan de y desde cierta subjetividad que no sea la hegemónica o imperante. Creo que, si bien muchas veces son estos los que menos rédito reciben (tanto económico, como a nivel de conocimiento público) son muchas veces personas así las que ayudan y renuevan esa cosa que me gusta considerar como un arte: el Arte Cinematográfico; el Cinematógrafo o, simplemente el cine.

Pues me he encontrado con una película (y un creador) con tales características. Sólo que esta vez me ha pasado algo distinto. Puesto que al menos, y en una primera instancia digamos que “no sabía que pensar” (y, reconozcamos también que esto puede ser especialmente problemático cuando uno piensa comentar/transmitir una vivencia, recomendar o no, opinar [y no desde una opinión dogmática o superior] pero si dando un juicio personal más o menos fundado, explicitado y transmitido).

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Para Shyamalan, “El Sexto Sentido” sin duda alguna pasó de ser una excelente experiencia a un karma. Debido al inmneso éxito que fue la película, es evidente que cada una de las siguientes producciones del artista fueron vendidas y esperadas como un nuevo thriller de suspenso y misterio, a pesar de que el director trabajó en otros géneros cinematográficos.

Fue el caso de “El Protegido“, película protagonizada por Bruce Willis, Samuel E. Jackson y Robin Wright Penn, que trata sobre un aficionado a los comics llamado Elijah Price (Jackson), quien desde pequeño sufre de una enfermedad denomida osteogénesis imperfecta, que le causa una fractura constante de sus huesos por falta de cólageno en la estructura de los mismos. Gracias a la inmensa afición que Elijah tiene por los comics, y su investigación profunda sobre los mismos, la idea que él tiene es la de que debe haber una persona que sea todo lo contrario a lo que él es: un ser fuerte que no se enferme y tenga una vitalidad inmensa.

Esa persona es David Dunn (Willis) un ex-jugador de fútbol americano y actual guardia de seguridad en un estadio. Cuando David sobrevive a un accidente en tren, Elijah está seguro de que es él la persona que toda la vida ha estado buscando. Según Elijah, lo que sucede es que todos los comics se han basado en algo real que les dio la inspiración a sus escritores, por lo que para Elijah su vida se ha basado en la búsqueda de un ser humano que pueda ser un superhéroe.

Bajo este argumento, lo que trataba de hacer Shyamalan era aproximarse al mundo de los comics desde una perspectiva muy novedosa: el nacimiento de un superhéroe en un mundo real. “El Protegido” es más un drama humano sobre el inmenso peso y la presión que debe recaer en un hombre que se ve con la posibilidad de convertirse en alguien con poderes sobrenaturales.
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