Para muestra, basta un botón. Este refrán del saber popular se aplica perfectamente al cine del estadounidense Larry Clark. Sólo con ver una sola de sus películas, ya podemos intuir cuál es la intención de Clark: retratar la hipocresía de la sociedad yanqui, generalmente desde los ojos de la juventud. Su primer intento fue con la exitosa y polémica “Kids” (1995), que mostraba el comportamiento sexual de adolescentes. El tratamiento de Clark con la imagen es igual de crudo que sus tópicos: muchas veces creemos estar viendo un documental o una grabación casera, porque utiliza métodos directos, cámara en mano y fotografía simplista.

Nacido en 1943 en Oklahoma, comenzó trabajando como fotógrafo, al punto que publicó algunos libros, como “Tulsa” (ciudad donde nació) y “Teenage Lust”. “Tulsa” muestra una serie de imágenes tomadas desde 1963 hasta 1971 donde Clark y sus amigos se retratan inyectándose drogas y teniendo relaciones sexuales. “Todos tomábamos drogas“, dijo en una oportunidad. “Pero la diferencia es que mis amigos entraron en el mundo del crimen”. Pero parece que tenía cierto talento con el lente, ya que Martin Scorsese le encomendó un trabajo de fotografía para la mítica “Taxi Diver”.

Luego de “Kids”, llegarían más películas como “Bully” (2001), otra historia centrada en un grupo de jóvenes que planean un crimen. Clark aquí va llevando la trama en un in crescendo fatal, al punto que no podemos despegarnos del asiento ni abandonar la peli a riesgo de morir por curiosidad. Y tal vez esa sea su mayor virtud: lograr que la historia por detrás (el fondo) atrape, sin importar si lo que estamos viendo (la forma) es una obra de arte con mayúsculas o una absoluta basura. Porque Clark es amado u odiado, pero su cine nunca es indiferente. Otra obra polémica fue “Ken Park” (2002), filme basado en la vida de un grupo jóvenes skaters, similar a “Kids”, aunque con escenas de sexo, droga y violencia mucho más explícitas.

A pesar de describir como pocos algunas características de la juventud y la sociedad de su país, este cineasta de 64 años no aconseja y muy pocas veces toma partido en sus guiones. Sólo muestra y deja que los demás juzguen. Sus últimas producciones fueron “Wassup Rockers”, donde unos skaters latinos de Los Angeles deciden salir de su barrio para patinar en Beverly Hills, y “Destricted”, en la cual siete directores reconocidos exponen sus puntos de vista sobre el arte y la pornografia. Lo dicho: acercarse a la obra de Larry Clark puede ser chocante para mentes puristas, pero es casi una obligación hacerlo si no se quiere ser cómplice por omisión de la hipocresía que tiene atrapada a buena parte de nuestra sociedad contemporánea.

The Dark Knight, secuela de Batman Begins, y por su argumento, remake del Batman (1989) de Tim Burton, ya tiene fecha de estreno en España: será el 13 de agosto de 2008.

La mayor noticia es que el Joker será el joven australiano Heath Ledger (Anís del Mar en Brokeback Mountain). Desde el primer momento creo en la elección de este actor para el relevo del irrepetible Jack Nicholson. El tiempo me dará la razón. Aún no sé por qué, pero estoy convencido de que Ledger será capaz de construir su personaje, con otros matices, pero con el histrionismo y la graciosa perversión que caracteriza a este inimitable villano de Bob Kane.
Volverá a ser dirigido por el brillante Christopher Nolan, con un guión el que está ayudado por su hermano Jonathan (autor de la historia de Memento), y David S. Goyer. En la banda sonora, el tema principal, a cargo del anodino James Newton Howard, será reestructurado por el irregular Hans Zimmer.

En el reparto de los ‘buenos’, pocas cosas cambiarán respecto a la magnífica Batman Begins, ya que Christian Bale repite como hombre murciélago, Michael Caine como el leal mayordomo Alfred, Gary Oldman como el honesto policía James Gordon, y Morgan Freeman como Lucius Fox. Por suerte para todos nosotros, la solvente actriz Maggie Gyllenhaal sustituye a la infumable Katie Holmes en el papel de la atractiva fiscal Rachel Dowes. Va a ser un cambio para mejor, seguro.
Y en el lado oscuro, Harvey Dent/Dos Caras acompaña a Joker para atosigar al superhéroe, y será encarnado por el siempre excelente Aaron Eckhart, lo que me lleva a pensar que las labores de cásting del equipo de Christopher Nolan son impecables.

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Tal vez muchos desconocen su nombre, pero su rostro en la pantalla grande es familiar, a pesar de tener solamente 19 años (nació el 17 de mayo de 1988). Nikki Reed además de actriz es escritora, y un guión hecho por ella junto a la directora Catherine Hardwicke la puso en la palestra: en 2003 escribió la historia de “Thirteen” (Trece), una película que la catapultó al éxito junto a otra adolescente hoy famosa: Evan Rachel Wood.

El filme describe la transformación que vive Tracy (Wood) al conocer a Evie, la chica más popular del colegio. Se hacen amigas íntimas y la hasta ahora inocente Tracy pasará a vivir situaciones peligrosas de la mano de Evie. En tanto su madre Mel (papel a cargo de Holly Hunter) tratará desesperadamente de comprender la radical metamorfosis que está sufriendo su hija. “Thirteen” cosechó varios premios, entre ellos el de Mejor guión para un largometraje del Nantucket Film Festival, el Gran premio del Jurado en el Sundance Film Festival y el premio CICAE en el Festival Internacional de Locarno.

Luego, la carrera para Nikki se fue cuesta arriba. Actuó en “Lords Of Dogtown”, también dirigida por Hardwicke, y en “Mini’s First Time” (2006) de Nick Guthe, donde es una joven que con seducción innata lo obliga a su padrastro (Alec Baldwin) a asesinar a su madre. El año pasado filmó “Cherry Crush”, dirigida por Nicholas DiBella, donde también es una adolescente fatal que conoce a un fotógrafo (Jonathan Tucker) y la relación entre ellos se dispara hacia un calvario. Mientras, este año rodó “Familiar Strangers” del director Zackary Adler y el año que viene actuará en “Privileged”, de Jonah Salander, en la cual será el objeto de seducción (cuándo no) de dos chicos (Adam Butcher y Julian Morris).

Bella, seductora y siempre con pose de femme fatal, Nikki Reed parece estar destinada a ser la nueva comehombres del cine yanqui. Pero a diferencia de otras estrellas adolescentes como Lindsay Lohan, no es muy amiga de las fiestas y el reviente nocturno y está muy lejos de los personajes que le toca interpretar. “No tengo ego”, sentencia. “Actuo porque me gusta, pero no sé si lo haré el resto de mi vida”. Fichas a Nikki, aviso desde aquí.

Se acerca una edición más del Festival de Cine de Venecia, la número 64, y esta vez la mostra italiana viene con novedades. Antes que nada, este año la organización del festival –que se celebrará del 29 de agosto al 8 de septiembre- instauró el premio “León Gay” para premiar a filmes de temática homosexual. Recordemos que la Mejor Película de la competición Oficial se lleva el tradicional “León de Oro”. En tanto, se proyectará por primera vez la versión definitiva del filme “Blade Runner, The Final Cut”, que será presentado el 1 de septiembre por su director Ridley Scott.

Habrá varios homenajes: se le entregará el León de Oro honorífico al director estadounidense Tim Burton por su “sorprendente diversidad”. El italiano Bernardo Bertolucci también recibirá un León de Oro por su carrera. Y además, la Mostra celebra este año el 75ª aniversario de su nacimiento, que tuvo lugar el 6 de agosto de 1932, siendo el festival más antiguo del mundo. Como ese mismo año nació el cineasta Alexander Kluge, padre del Nuevo Cine Alemán y ganador de dos Leones de Oro y un León de Plata, se le dedicará una retrospectiva.

En cuanto a las películas, hay mucho para destacar. Abrirá el festival “Expiación”, dirigida por el inglés Joe Wright, que está basada en la nivela del escritor Ian McEwan. Y en la competición por el premio mayor habrá nuevos filmes de directores consagrados, como “Redacted”, de Brian de Palma, “Sleuth”, de Kenneth Branagh, “Nightwatching”, de Peter Greenaway, o “I’m Not There”, de Todd Haynes. El crédito español estará representado por “En la Ciudad de Sylvia”, de José Luis Guerin, la historia de un hombre que regresa a Estrasburgo para reencontrarse con un antiguo amor, pero esta búsqueda le llevará de una mujer a otra. Son sus protagonistas Pilar López de Ayala y Xavier Lafitte, y la novedad es que no habrá diálogos.

El jurado de esta 64 edición lo preside Zhang Yimou y estará integrado por otros directores como Alejandro González Iñarritu, Jane Campion, Catherine Breillat, Emanuele Crialese, Paul Verhoeven y Ferzan Ozpetek. Otro cineasta que participará será Quentin Tarantino, quien presidirá una retrospectiva que se le dedicará al “Spaghetti Western”. La película que clausurará esta edición será “Blood Brothers”, del debutante oriental Alexi Tan. Cabe recordar que la realización que se llevó el León de Oro el año pasado fue “Sanxia Haoren” (Still Life), de Jia Zhang-Ke (China). En síntesis: el Festival de Venecia comienza y allí se da cita lo más granado del mundo del cine.

Otro de los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby, Thor, será llevado al cine alrededor de 2009.

Sinceramente, y como lector habitual de las series de cómics de Thor durante mi infancia, he de decir que puede salir una buena película de esto. Aunque en España este superhéroe no sea especialmente conocido (a pesar de ser miembro de Los Vengadores), la adaptación cinematográfica podría disfrutar de bastante éxito porque, con toda seguridad, se trataría de una historia ‘con fondo’, y nada que ver con muchas adaptaciones de la Marvel que últimamente hemos tenido que ver (pobres de nosotros).

Thor es una revisión de la mitología nórdica, en la que su protagonista proviene de una raza extraterrestre que se hace llamar dioses. Uno de sus puntos fuertes es su ingenuidad. A menudo confía en los seres humanos a pesar de que no debe hacerlo, acostumbrado a su residencia natural Asgard, donde todo es idílico y carente de perversión.

Por ahora, lo único que se sabe es que el director será el joven británico Matthew Vaughn, responsable de la interesante Layer Cake (que lanzó al Bond Daniel Craig) y este verano está triunfando con Stardust, que no llegará a España hasta octubre.

Del reparto sólo podemos oír rumores, entre los que se han erigido especialmente Sean Bean, Gerard Butler y Karl Urban.

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El Festival de Cine de Mar del Plata (la ciudad turística costera más importante de Argentina) es el único clase A de toda Latinoamérica y uno de los más importantes del mundo, aunque sin la trascendencia de las muestras europeas. En las décadas del 50 y 60 fue un pilar dentro de los festivales internacionales, incluyendo la visita de numerosas luminarias y estrellas europeas y norteamericanas. François Truffaut, Jean-Paul Belmondo, Catherine Deneuve, Vittorio Gassman, Paul Newman y Gina Lollobrigida fueron algunos de los que pisaron suelo argentino.

Luego, por distintos motivos, el festival no se desarrolló por muchos años, hasta que en 1996 Mar del Plata volvió a ser sede. De esta forma, su 12° edición se realizó en noviembre de ese año, llevándose el premio máximo -el “Ombú de Oro”- el film español “El Perro del Hortelano”, de la recordada Pilar Miró. Durante años, la muestra no tuvo un perfil claro, ya que parecía que quería competir con Cannes y Venecia y eso no era posible por los costos y el prestigio de aquellos. Por eso, en esta década, al asumir un nuevo gobierno –el festival se realiza con dinero estatal- cambió su mes –pasó de noviembre a marzo- y su perfil.

Desde hace aproximadamente 5 años, el Festival de Mar del Plata se dedica a mostrar una buena colección de películas Latinoamericanas y de países exóticos, así como secciones interesantes como “La Mujer y el Cine”. Ahora, lamentablemente hubo un cambio de director: se fue el jujeño Miguel Pereira –cineasta con gran conciencia social- y en su lugar está José Martínez Suárez, de 82 años, también cineasta pero de la “época de oro” antigua del cine argentino. Y las incógnitas no dejan de sucederse. “Debería ser un festival para jóvenes pero sin olvidar a los viejos, con amplitud y variedad pero sin perder de vista la calidad y las películas más interesantes”, sostuvo el flamante mandatario.

Ahora, se quiere volver a la fecha de noviembre, para no tener que competir con Cannes y Berlín a comienzos de año y porque habría más oportunidades de encontrar mejores películas. Aun no hay respuesta. Pero en noviembre, se celebran además el Festival de Cine Independiente (también en Mar del Plata) y el novedoso Festival Internacional de Cine de San Luis. Por eso, muchos verían con buenos ojos el cambio para diciembre. Como sea, el Festival de Mar del Plata no encuentra su rumbo y a este paso suena extraño que lo vaya a hallar.

Después de ver la semana pasada una película más bien mala pero entretenida, y no hablo de otra que de Planet Terror, y eso que a mi, me fascina el género del que trata, al que no le guste va a perder dos horas de su vida. Pues bien, después de ver esa, mi última elección ha sido bastante acertada. El Ultimátum de Bourne.

Una película de acción pura e impactante donde la trama principal sobre la que se sustenta todo el argumento, no pierde ningún valor, aunque es un tema del todo manido y usado (me refiero al género de espías, la Cia, etc) , ante la dirección magistral de Paul Greengrass, sabiendo usar sus mejores ideas aplicadas a un estupendo montaje que hacen de la película una trepidante historia de acción de dos horas donde en ningún momento miras el reloj, te aburres o te acuerdas de tus problemas. Es pura adrenalina visual que te impide separar los ojos de la pantalla.

Ya desde la primera secuencia se pone de manifiesto el tono de la película, y coincidiendo con ser la última de la franquicia, aunque ésto nunca se sabe en Hollywood, la historia global del Jason Bourne llega a su fin, y de que manera. Si en las dos anteriores el protagonista despierta de una vida en la que ha sido programado, y no hablo literalmente, para intentar descubrir quién es y por que hace lo que hace, en ésta última entrega se desvela la verdadera naturaleza de la historia y del personaje, que a mi parecer, es muy similar al clásico James Bond, sino sólo hay que ver el parecido del nombre, aunque mucho menos fantasioso e inverosímil. Jason Bourne es un tipo normal, alguien como nosotros, aunque con conocimientos y destrezas sólo posibles con mucho entrenamiento y disciplina.

En definitiva, al que le gusten las películas de acción sin límites, aunque sin llegar a las acrobacias increibles y falsas de otros espías del género, y el buen montaje, tiene una butaca esperando en el cine más próximo. La única pega, desde mi punto de vista, el director abusa intencionadamente de la cámara al hombro, steadycam y primeros planos en movimiento que desconciertan en algunos momentos de la película al espectador, pero son muy efectivos creando la sensación de velocidad y movimiento que se merecen las escenas de acción.

La Jeteé es un corto francés de ciencia-ficción de 28 minutos cuyo mayor atractivo es que está constituido por fotografías en blanco y negro. Sólo hay una imagen en movimiento en todo el metraje, y el resto del tiempo las fotografías van acompañadas de una voz en off y de una portentosa música que sirve de banda sonora. Aunque parezca increíble por su originalidad y por tener un brillante argumento sobre el futuro próximo, fue realizada en 1962 y aún hoy es objeto de estudio en el cine actual.

Trata la historia de un experimento para viajar en el tiempo en París, después de una apocalíptica Tercera Guerra Mundial, en donde los seres humanos viven en espacios subterráneos por miedo a la radioactividad y a la violencia que todavía puede estar sucediendo en la superficie. A modo de deja-vus, el protagonista (cuyo nombre no se desvela) consigue viajar al pasado hasta llegar antes de la guerra, y entabla intensas y emotivas relaciones con una chica a la que había visto cuando niño en el aeropuerto de Orly, y le había impactado notoriamente.

Dicho por su director, el interesante Chris Marker, estamos ante una fotonovela, ya que a pesar de tratarse de una obra audiovisual, se trata simplemente de una sucesión de fotografías interconectadas, con una locución para que dicha sucesión cobre sentido.

Lo que hace a La Jeteé una obra mítica dentro del cine de ciencia-ficción es la fuerza del conjunto. Las fotografías, que a veces no muestran más que paisajes del París de la época o de un futuro en el que todo está destruido y no hay lugar a la esperanza, son tan descriptivas y tan dotadas de vida que el espectador puede disfrutar del corto de la misma manera que si se tratase de una película. El carisma de los personajes principales, del protagonista y de la chica, es tan obvia que está ampliamente reflejada a través de estas fotografías, logrando una emotividad y una fascinación increíbles. El final es inconmensurable; no deja ningún cabo suelto y a la vez plantea una paradoja espacio-temporal a modo de círculo vicioso, asombrosa y envolvente.

El carácter indudablemente vanguardista de La Jeteé no pasó desapercibido. Ha recibido homenajes y referencias en obras posteriores, y ha servido de inspiración para un video musical de David Bowie, a la vez que su argumento fue recogido por David Webb Peoples para la deplorable película Doce Monos (1995, Terry Gilliam).

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De las estrellas internacionales, Angeline Jolie es quien más noticias le da a la prensa, aunque últimamente más por su vida personal que por su trabajo. Que Africa, que los celos, que Brad, que está flaca, uff… El 14 de septiembre llegará a los cines de España su última realización, llamada “A Mighty Heart” (Un Corazón Invencible), dirigida por Michael Winterbottom y presentada en el último Festival de Cannes. Allí interpreta a Marianne Pearl, la esposa del periodista estadounidense Daniel Pearl, asesinado en Pakistán por terroristas mientras se dirigía a una entrevista. En realidad, Marianne es negra y Angelina tuvo que caracterizarse con peluca, maquillaje y lentes de contacto (lentillas).

El filme está basado en las memorias escritas por Marianne. Su marido Daniel era el jefe de la oficina del sur de Asia del periódico Wall Street Journal, e investigaba a un terrorista de nombre Richard Reid. Cuando desapareció, el 23 de enero de 2002, ella estaba embarazada de seis meses de un hijo al que Daniel quería llamar Adam, por eso escribió el libro para que Adam conociera “al padre al que nunca vería”. Fue filmado en Pakistán, India y Francia durante el verano y otoño del año pasado y Brad Pitt fue uno de los productores.

La peli no fue un éxito en Estados Unidos –se estrenó en junio- ni mucho menos, ya que sólo recaudó 9 millones de dólares, una cifra baja. Pero de lo que más se habló últimamente es del mal estado de salud de Angelina, porque había bajado muchos kilos y se rumoreaba que tenía alguna enfermedad, aunque luego se desmintió. Lo que sí preocupa a la actriz es su relación con su marido Brad Pitt, que atraviesa el peor momento. Por un lado, está celosa de él por sus acercamientos con sus ex: Pitt lleva una buena relación con su anterior pareja Jennifer Aniston y además planea filmar el drama político “Dirty Tricks” con otra ex novia, Gwyneth Paltrow, una película ambientada en el caso Watergate.

Así las cosas, para Angelina las cosas están turbulentas. Es casi un hecho que la pareja -bautizada “Brangelina” por la prensa- no seguirá por mucho tiempo. O tal vez sí. Mientras, ella se apresta a rodar el año que viene “Wanted” de Timur Bekmambetov, y “The Changeling”, la nueva realización de suspense de Clint Eastwood. Por ahora, aguardamos a “A Mighty Heart”.

Confirmado: Tom Shadyac es el amo y señor de la risa enlatada. Este director ha querido consolidar con Sigo Como Dios lo que ya sabíamos. Sin Jim Carrey, este tío no es nadie. Shadyac fue el que sacó a la luz a Carrey con Ace Ventura. Volvieron a coincidir en la divertida Mentiroso Compulsivo y en la precuela de la que reseñamos (Como Dios). Toda vez que ha hecho algo en lo que Carrey no esté implicado ha sido un fracaso.
Véase la vomitiva El Profesor Chiflado, la aburrida Patch Adams, la aburridísima Dragonfly y ahora este Sigo Como Dios.

Puede parecer increíble, pero la primera media hora es entretenida y hasta promete. Bajo los mismas premisas argumentales que en su predecesora, vemos la historia de Evan Baxter (rival de Carrey en la primera), un famoso presentador de televisión reconvertido a exitoso congresista. Se le aparece Dios, y le dice que ha de construir un Arca. Sí, como el Arca de Noé.

¿Les atrae el argumento? A mí tampoco. Y menos mal que el tal Evan Baxter está interpretado por un gran cómico llamado Steve Carell, al que hemos visto en las aceptables Virgen a los 40 y Little Miss Sunshine. Insisto: al principio, somos capaces de disfrutar con los chistes y hasta reírnos un poco. Cuando viene la transformación de Evan en Noé (con guiños inevitables a la horrorosa ¡Vaya Santa Claus!), aquello empieza a perder el norte, y la máxima preocupación del espectador viene a ser: ¿cuándo se acaba esto?

Porque Steve Carell hace lo que puede, y puedo asegurar que cumple con creces, pero es que los gags empiezan a repetirse una y otra vez.
Morgan Freeman (que hace de Dios) está por estar, sabiendo que en cuanto acabasen las sesiones de rodaje cobraría su cheque y listo.

En fin, que estamos ante un intento de comedia que en ningún momento muestra simpatía. El guión, a cargo de Steve Oedekerk (acostumbrado a tonterías como ésta), está tan cargado de tópicos que tenemos la impresión de haber visto esta película antes, pero con otros matices. Sobretodo huir de los últimos 45 minutos, que llegan a dar verdadera vergüenza ajena por momentos.

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